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Efemérides del Día - 13 de Octubre
1832
Samuel Morse concibe y resuelve prácticamente la idea de su telégrafo eléctrico durante un viaje en barco.
1847
Nace en Buenos Aires el notable pintor Eduardo Sívori, autor de "Tropa de carretas", uno de los primeros grabados al aguafuerte realizados en nuestro país.
En 1887 expuso en París "Le lever de la bonne" ("El despertar de la sirvienta"), un desnudo femenino naturalista que despertó el escándalo en nuestro país. Falleció en la Capital Federal el 5 de junio de 1918.
1865
Muere en Buenos Aires el educador francés Amadeo Jacques, profesor de filosofía y ciencias naturales, exaltado por Miguel Cané en "Juvenilia". Nació en París (Francia) el 4 de julio de 1813. En la Argentina, se vio obligado a distintas actividades en Entre Ríos, Santiago del Estero y Tucumán.
Fue brillante profesor del Colegio Nacional de Buenos Aires.
1908
Nació en Toledo (España) Ana Luciana Divis (Tania). En 1924 llegó a Buenos Aires con una troupe, trayendo en su repertorio el tema Fumando espero y se destacó entre las cantantes de su época.
1909
Nace Art Tatum, pianista de jazz estadounidense.
1912
Muere en Buenos Aires el poeta y periodista entrerriano Evaristo Carriego, autor de "Misas herejes" y "La canción del barrio".
Creó una verdadera mitología del barrio y sus personajes y temas: el guapo, la costurerita, el velorio, el organito. Borges elogió en gran medida su poesías.
Carriego nació en Paraná (provincia de Entre Ríos) el 7 de mayo de 1883.
1921
Nace Yves Montand, actor y cantante francés.
1934
Nace Nana Mouskouri, cantante griega.
1938
Muere Elzie (Crisler) Segar, dibujante estadounidense de cómics, creador de "Popeye, el marino".
1940
Nace Pharoah Sanders, saxofonista estadounidense.
1941
Nace Paul Simon, músico estadounidense.
1968
Nace Carlos Marín, barítono español (Il Divo).
1972
Comienza a funcionar la Universidad Nacional de Lomas de Zamora (provincia de Buenos Aires).
1972
Se estrella en los Andes el avión que trasporta a un equipo de rugby uruguayo.
1974
Muere Ed Sullivan, presentador de televisión estadounidense.
1974
Día del Psicólogo
Esta fecha fue instituida en el Encuentro Nacional de Psicólogos y Estudiantes de Psicología que tuvo lugar entre el 11 y el 13 de octubre de 1974 en la ciudad de Córdoba. El mismo fue organizado por la Confederación de Psicología de la República Argentina, COPRA. (Fuente: Efemérides del Ministerio de Salud de la Nación).
1975
Fallece el pianista Oscar Sabino. Nació el 22 de febrero de 1910
1980
El argentino Adolfo Pérez Esquivel obtiene el Premio Nobel de la Paz.
1981
Muere Antonio Berni,, pintor y grabador argentino.
Berni fue un artista representativo de la época que vivió; lo caracterizó el fuerte contenido social de su obra.
Con una galería de personajes entre los que se destacan Juanito Laguna y Ramona Montiel, representantes de los sectores más bajos y olvidados.
Su obra estuvo influenciada por los acontecimientos históricos que vivió a lo largo de su vida.
2005
Lanzamiento de la distribución de Linux Ubuntu 5.10, The Breezy Badger.
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domingo, 12 de octubre de 2008
Frank Sinatra - My Way - The Best of Frank Sinatra
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Frank Sinatra - My Way - The Best of Frank Sinatra
Frank Sinatra
Temas
01. My Way.mp3
02. Strangers In The Night.mp3
03. New York, New York.mp3
04. I Get A Kick Out Of You.mp3
05. Something Stupid.mp3
06. Moon River.mp3
07. What Now My Love.mp3
08. Summer Love.mp3
09. For Once In My Life.mp3
10. Love And Marriage.mp3
11. They Can't Take That Away From Me.mp3
12. My Kind Of Town.mp3
13. Fly Me To The Moon.mp3
14. I've Got You Under My Skin.mp3
15. The Best Is Yet To Come.mp3
16. It Was A Very Good Year.mp3
17. Come Fly With Me.mp3
18. That's Life.mp3
19. The Girl From Ipanema.mp3
20. The Lady Is A Tramp.mp3
21. Bad, Bad Leroy Brown.mp3
22. Mack The Knife.mp3
23. Loves Been Good To Me.mp3
24. L.A. Is My Lady.mp3
Link
RBerdi_F.Sinatra-MyWay_TheBestOfF.S.rar
Publicación Anterior y Biografía
Frank Sinatra - The Capitol Years -Box- CD`s 1 -2 -3
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Joe Satriani & Steve Vai & Yngwie Malmsteen - G3 - Live in Denver - 2003
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Joe Satriani & Steve Vai & Yngwie Malmsteen
- G3 - Live in Denver - 2003
G3
Su historia
Fue en 1996 cuando Joe Satriani propuso hacer una gira por toda Europa a su amigo Steve Vai, para reunir así en una tríada a los mejores guitarristas del mundo.
Casi cada año, el tour es organizado y producido por ellos mismos.
Han destacado en los tours a figuras de la talla de
Eric Johnson, Kenny Wayne, Robert Fripp (King Crimson), Alejandro Silva,
Michael Cusson, Adrian Legg, Michael Schenker (UFO MSG), Uli Jon Roth (Scorpions),
John Petrucci (Dream Theater), Andy Timmons, Paul Gilbert (Racer x Mr Big),
Steve Lukather (Toto), Steve Morse (Dixie Dreggs, Kansas, Deep Purple),
Billy Gibbons (ZZ Top), e Yngwie Malmsteen.
Cronología de la participación de sus músicos invitados
Eric Johnson (1996, 2000, 2001, 2006)
Adrian Legg (1997)
Robert Fripp (1997, 2004), miembro de King Crimson
Billy Gibbons (1997), miembro de ZZ Top
Brian May (1997), miembro de Queen
Kenny Wayne Shepherd (1996, 1997)
Michael Schenker (1998), miembro de UFO, MSG
Uli Jon Roth (1998), miembro de Scorpions
John Petrucci (2001, 2005, 2006, 2007), miembro de Dream Theater
Yngwie Malmsteen (2003)
Alejandro Silva (2004) (Solo en Chile)
Paul Gilbert (2007)
Temas
[001] 01 - Satch Boogie.mp3
[002] 02 - The Extremist.mp3
[003] 03 - Starry Night.mp3
[004] 04 - Midnight.mp3
[005] 05 - The Mystical Potato Head Groove Thing.mp3
[006] 06 - I Know You're Here.mp3
[007] 07 - Juice.mp3
[008] 08 - I'm The Hell Outta Here.mp3
[009] 09 - Evil Eye.mp3
[010] 10 - Baroque And Roll.mp3
[011] 11 - Acoustic Guitar Solo.mp3
[012] 12 - Adagio.mp3
[013] 13 - Far Beyond The Sun.mp3
[014] 14 - Rockin' In The Free World.mp3
[015] 15 - Little Wing.mp3
[016] 16 - Voodoo Child ( Slight Return ).mp3
[017] 17 - Backstage.mp3
Link
RBerdi_J.Satriani_S.Vai_YngwieMalmsteen-G3-LiveDenver-03.rar
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Joe Satriani & Steve Vai & Yngwie Malmsteen
- G3 - Live in Denver - 2003
G3
Su historia
Fue en 1996 cuando Joe Satriani propuso hacer una gira por toda Europa a su amigo Steve Vai, para reunir así en una tríada a los mejores guitarristas del mundo.
Casi cada año, el tour es organizado y producido por ellos mismos.
Han destacado en los tours a figuras de la talla de
Eric Johnson, Kenny Wayne, Robert Fripp (King Crimson), Alejandro Silva,
Michael Cusson, Adrian Legg, Michael Schenker (UFO MSG), Uli Jon Roth (Scorpions),
John Petrucci (Dream Theater), Andy Timmons, Paul Gilbert (Racer x Mr Big),
Steve Lukather (Toto), Steve Morse (Dixie Dreggs, Kansas, Deep Purple),
Billy Gibbons (ZZ Top), e Yngwie Malmsteen.
Cronología de la participación de sus músicos invitados
Eric Johnson (1996, 2000, 2001, 2006)
Adrian Legg (1997)
Robert Fripp (1997, 2004), miembro de King Crimson
Billy Gibbons (1997), miembro de ZZ Top
Brian May (1997), miembro de Queen
Kenny Wayne Shepherd (1996, 1997)
Michael Schenker (1998), miembro de UFO, MSG
Uli Jon Roth (1998), miembro de Scorpions
John Petrucci (2001, 2005, 2006, 2007), miembro de Dream Theater
Yngwie Malmsteen (2003)
Alejandro Silva (2004) (Solo en Chile)
Paul Gilbert (2007)
Temas
[001] 01 - Satch Boogie.mp3
[002] 02 - The Extremist.mp3
[003] 03 - Starry Night.mp3
[004] 04 - Midnight.mp3
[005] 05 - The Mystical Potato Head Groove Thing.mp3
[006] 06 - I Know You're Here.mp3
[007] 07 - Juice.mp3
[008] 08 - I'm The Hell Outta Here.mp3
[009] 09 - Evil Eye.mp3
[010] 10 - Baroque And Roll.mp3
[011] 11 - Acoustic Guitar Solo.mp3
[012] 12 - Adagio.mp3
[013] 13 - Far Beyond The Sun.mp3
[014] 14 - Rockin' In The Free World.mp3
[015] 15 - Little Wing.mp3
[016] 16 - Voodoo Child ( Slight Return ).mp3
[017] 17 - Backstage.mp3
Link
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Erroll Garner - Concert By The Sea - 1955
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Erroll Garner - Concert By The Sea - 1955
En 1944 decide marcharse a New York y tuvo la suerte de sustituir nada mas y nada menos que al gran Art Tatum, en el trío del contrabajista, Slam Stewart, que actuaba regularmente en el famoso club "Three Deuces" de la calle 52 en Harlem, y lo hizo además con naturalidad, cosa nada fácil cuando estaba Tatum por medio.
Su época inicial fue por tanto muy fructífera y el feeling de su piano era comparado con el canto de la mismísima Billie Holiday, por alguien tan entendido en la materia como la magnífica pianista, Mary Lou Williams.
A mediados de los años cincuenta, ficha por Mercury y logra uno de los periodos mas fructíferos de su carrera. Así el 7 de julio de 1954 graba en solo tres horas, 32 fantásticos solos de piano, siempre en primeras tomas.
Diecinueve días después , el 27 de julio de aquel año 1954, entra en el estudio para grabar una encantadora balada conocida como "Misty" y que sería después todo un gran standars de jazz gracias a la letra de Johnny Burke.
Los admiradores de Erroll Garner, cubren todo el espectro musical, los hay de estilos conservadores y también progresistas, clásicos y modernos pero el mercado se acuerda poco de el y sus discos se reeditan con dificultad a pesar de que su talento es intemporal, inmune a las modas y a los vaivenes de la música del siglo XX.
Erroll Garner - Concert By The Sea - 1955
Erroll Garner
La precocidad marcó los primeros pasos de Erroll Garner, un pianista clásico de jazz nacido en el seno de una familia de miembros del coro de la Iglesia de Pittsburgh, ciudad dónde nació en 1921.
De pequeño mientras todos sus cinco hermanos estudiaban piano, el tocaba de oído las melodías que salían del vetusto gramófono doméstico donde las manos de Art Tatum, Teddy Wilson, Earl Hines o Fats Waller, le introducían en el jazz.
En la escuela coincidió con Dodo Marmarosa, Billy Strayhorn y Ahmad Jamal.
Los dos primeros ejercieron una fuerte influencia en él, mientras Jamal sería posteriormente uno de sus mejores discípulos.
En 1944 decide marcharse a New York y tuvo la suerte de sustituir nada mas y nada menos que al gran Art Tatum, en el trío del contrabajista, Slam Stewart, que actuaba regularmente en el famoso club "Three Deuces" de la calle 52 en Harlem, y lo hizo además con naturalidad, cosa nada fácil cuando estaba Tatum por medio.
Inmediatamente vinieron las primeras grabaciones a piano para Savoy acompañando a Stewart y entres esas grabaciones el mítico tema "Laura" cuyo éxito de crítica y sobre todo de ventas dio a Garner la oportunidad de trabajar para numerosas casas discográficas de la época.
Fue entonces cuando se cruzó en su camino los elogios de la prestigiosa revista, "Down Beat", quien lo elogiaba en estos términos:
!El único pianista con dos manos desde los tiempos de Fats Waller!
Su época inicial fue por tanto muy fructífera y el feeling de su piano era comparado con el canto de la mismísima Billie Holiday, por alguien tan entendido en la materia como la magnífica pianista, Mary Lou Williams.
Se cruzó en febrero de 1947 en Los Ángeles en el camino de Charlie Parker con el saxofonista recién salido del hospital de Camarillo. De aquélla sesión queda un original "Cool Blues" donde Garner sale airoso de la prueba.
Posteriormente su carrera se dispara y las actuaciones no cesan. Lo mismo está en el Royal Roots tocando con todos unos "All Stars" como se traslada a Paris para participar en la primera semana del Jazz en la capital francesa.
En 1950, Garner ficha para Columbia y con ese sello aparece sus disco mas reputado y el que todavía hoy sigue siendo
el disco de piano de jazz mas vendido del mundo:
el disco de piano de jazz mas vendido del mundo:
el celebérrimo y espléndido
"Concert By The Sea"
lo que además le reportó el titulo honorífico por Down Beat de músico del año en 1958.
"Concert By The Sea"
lo que además le reportó el titulo honorífico por Down Beat de músico del año en 1958.
A mediados de los años cincuenta, ficha por Mercury y logra uno de los periodos mas fructíferos de su carrera. Así el 7 de julio de 1954 graba en solo tres horas, 32 fantásticos solos de piano, siempre en primeras tomas.
Diecinueve días después , el 27 de julio de aquel año 1954, entra en el estudio para grabar una encantadora balada conocida como "Misty" y que sería después todo un gran standars de jazz gracias a la letra de Johnny Burke.
Los admiradores de Erroll Garner, cubren todo el espectro musical, los hay de estilos conservadores y también progresistas, clásicos y modernos pero el mercado se acuerda poco de el y sus discos se reeditan con dificultad a pesar de que su talento es intemporal, inmune a las modas y a los vaivenes de la música del siglo XX.
Temas
01 - I'll Remember April.mp3
02 - Teach Me Tonight.mp3
03 - Mambo carmel.mp3
04 - Autumn leaves.mp3
05 - It's all right with me.mp3
06 - Red top.mp3
07 - April in paris.mp3
08 - They can't take that away from me.mp3
09 - How could you do a thing like that to me.mp3
10 - Where or when.mp3
11 - Erroll's theme.mp3
Mack The Knife Erroll Garner Concert by the Sea Jazz 18.mp3
Link
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Bix Beiderbecke - Restored - Volumen 2 - CD 2
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Bix Beiderbecke - Restored - Volumen 2 - CD 2
Bix Beiderbecke
* Uno de los mas importantes músicos de jazz.
Bix Beiderbecke - Restored - Volumen 2 - CD 2
Bix Beiderbecke
* Uno de los mas importantes músicos de jazz.
Su forma de tocar la corneta creó todo un estilo y sirvió como ejemplo
para muchos interpretes de la trompeta.
para muchos interpretes de la trompeta.
En esta publicación colocamos el quinto CD de la colección detemas restaurados
de Bix Beiderbecke.
* Aclaramos que los mismos fueron realizados con distintas orquestas,
lo cual esta aclarado en los tags de cada uno de los temas.
Temas
01 - Washboard Blues (take 4).mp3
02 - Changes (take 2).mp3
03 - Changes (take 3).mp3
04 - Mary (take 2).mp3
05 - Mary (take 4).mp3
06 - Ramona.mp3
07 - Smile (take 1).mp3
08 - Lonely Melody (take 1).mp3
09 - Lonely Melody (take 3).mp3
10 - O Ya Ya.mp3
11 - Dolly Dimples.mp3
12 - There'll Come a Time.mp3
13 - Jubilee.mp3
14 - Parade of the Wooden Soldiers.mp3
15 - Ol' Man River.mp3
16 - San (take 6).mp3
17 - San (take 7).mp3
18 - Mississippi Mud.mp3
19 - Together.mp3
20 - My Heart Stood Still (take 1).mp3
21 - My Heart Stood Still (take 3).mp3
22 - Smile (take 4).mp3
Link
Bix Beiderbecke - Restored - Volumen 2 - CD 1
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Bix Beiderbecke - Restored - Volumen 2 - CD 1
Bix Beiderbecke
Uno de los mas grandes músicosde jazz.
Su forma de tocar la corneta sentó todo un estilo y
sirvió como ejemplo
para muchos interpretes de la trompeta.
En esta publicación colocamos
el Cuarto de la colección de
temas restauradosde Bix Beiderbecke.
* Aclaramos que los mismos fueron realizados
con distintas orquestas,
lo cual esta aclarado en los tags
de cada unode los temas.
Temas
01 - Humpty Dumpty.mp3
02 - Krazy Kat.mp3
03 - The Baltimore.mp3
04 - There Ain't No Land Like Dixieland.mp3
05 - There's a Cradle in Caroline.mp3
06 - Just an Hour of Love.mp3
07 - I'm Just Wondering Who.mp3
08 - At the Jazz Band Ball.mp3
09 - Royal Garden Blues.mp3
10 - Jazz Me Blues.mp3
11 - I'm More Than Satisfied (take 1).mp3
12 - I'm More Than Satisfied (take 2).mp3
13 - Clorinda (take 1).mp3
14 - Clorinda (take 2).mp3
15 - Three Blind Mice (take 1).mp3
16 - Three Blind Mice (take 2).mp3
17 - Goose Pimples.mp3
18 - Sorry.mp3
19 - Cryin' All Day.mp3
20 - A Good Man Is Hard to Find.mp3
21 - Since My Best Gal Turned Me Down.mp3
22 - Sugar.mp3
23 - Washboard Blues (take 1).mp3
Link
RBerdi_BixBeiderbecke-Restored-Vol 2-CD 1.rar
Publicaciones anteriores
Bix Beiderbecke - Restored - Volumen 1 - CD 3
Bix Beiderbecke - Restored - Volumen 1 - CD 2
Bix Beiderbecke - Restored - Volumen 1 - CD 1
Bix Beiderbecke - Jazz Me Blues
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Bix Beiderbecke - Restored - Volumen 2 - CD 1
Bix Beiderbecke
Uno de los mas grandes músicosde jazz.
Su forma de tocar la corneta sentó todo un estilo y
sirvió como ejemplo
para muchos interpretes de la trompeta.
En esta publicación colocamos
el Cuarto de la colección de
temas restauradosde Bix Beiderbecke.
* Aclaramos que los mismos fueron realizados
con distintas orquestas,
lo cual esta aclarado en los tags
de cada unode los temas.
Temas
01 - Humpty Dumpty.mp3
02 - Krazy Kat.mp3
03 - The Baltimore.mp3
04 - There Ain't No Land Like Dixieland.mp3
05 - There's a Cradle in Caroline.mp3
06 - Just an Hour of Love.mp3
07 - I'm Just Wondering Who.mp3
08 - At the Jazz Band Ball.mp3
09 - Royal Garden Blues.mp3
10 - Jazz Me Blues.mp3
11 - I'm More Than Satisfied (take 1).mp3
12 - I'm More Than Satisfied (take 2).mp3
13 - Clorinda (take 1).mp3
14 - Clorinda (take 2).mp3
15 - Three Blind Mice (take 1).mp3
16 - Three Blind Mice (take 2).mp3
17 - Goose Pimples.mp3
18 - Sorry.mp3
19 - Cryin' All Day.mp3
20 - A Good Man Is Hard to Find.mp3
21 - Since My Best Gal Turned Me Down.mp3
22 - Sugar.mp3
23 - Washboard Blues (take 1).mp3
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Bix Beiderbecke - Restored - Volumen 1 - CD 3
Bix Beiderbecke - Restored - Volumen 1 - CD 2
Bix Beiderbecke - Restored - Volumen 1 - CD 1
Bix Beiderbecke - Jazz Me Blues
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Ben Webster - The Saxophone Player
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Ben Webster - The Saxophone Player
Ben Webster, estudió varios instrumentos: primero violín, después piano y clarinete. Su primer trabajo fue precisamente el de pianista en un cine mudo en Texas.
Tras su paso por el atril de Benny Carter, tocó durante mas de un año con la orquesta de Cab Calloway, con el que grabó entre la primavera de 1936 y el verano de 1937, dieciséis temas.
La segunda mitad de la década de los treinta fue en ese sentido, un periodo donde Ben Webster se hizo un lugar propio en la escena jazzistica americana y consiguió ser uno de los grandes saxos tenores del momento.
Cuando tras la II Guerra Mundial comenzó el ocaso de las Big-Bands, muchos músicos tuvieron que buscarse con mas o menos fortuna su lugar en la música de jazz como solistas, bien formando su propio grupo mas o menos estable o bien como sideman acompañando a otros músicos.
Ben Webster, forma parte, junto a Coleman Hawkins y a Lester Young, de la triade de los grandes saxofonistas tenores de la historia del jazz.
01 - Benny´s tune.mp3
Ben Webster - The Saxophone Player
Ben Webster
Benjamín Francis Webster, conocido en el mundo del jazz como, Ben Webster, y apodado "El rana", por sus ojos saltones, nació en la muy jazzistica ciudad de Kansas City, cuna de magníficos saxofonistas, entre ellos la del gran, Charlie Parker.
Fue un 27 de marzo de 1909 y su carrera musical comenzó a tomar relieve en la cuerda de saxos de la orquesta del maestro Duke Ellington, en los tiempos del Cotton Club, de Harlem.
El "Duke", compuso agradecido a su saxofonista, un tema emblemático que acompaño a Ben Webster, durante toda su carrera.
Estamos hablando de "In a Mellotone", una pieza hecha a la medida de nuestro músico y que le acompañaría durante toda su carrera.
Estamos hablando de "In a Mellotone", una pieza hecha a la medida de nuestro músico y que le acompañaría durante toda su carrera.
Ben Webster, estudió varios instrumentos: primero violín, después piano y clarinete. Su primer trabajo fue precisamente el de pianista en un cine mudo en Texas.
Su afición por el saxo la adquirió de Bud Johnson, el famoso saxofonista de Dallas.
Tocó el saxo contralto en orquestas bastantes conocidas como la de W.H. Young, padre del gran Lester Young, donde estuvo tres meses.
En 1931 trabajó acompañando a la cantante, Blanche Calloway, hermana del famoso director de orquesta, Cab Calloway, y desde finales de ese año, hasta principios de 1933, formó parte de una de las mejores orquestas del Medio Oeste, la de Bennie Moten, cuyo pianista era por entonces, el maestro, Count Basie.
Tras su fructífera experiencia con Moten, Ben Webster empezó a ser solicitado por las bigbands mas conocidas, y así en 1933, Andy Kirk, lo llamó para ocupar la cabecera de su sección de saxos, luego fue Fletcher Henderson quien se fijó en él, y en 1934, trabajó con Benny Carter.
En cada una de ellas, la presencia de Ben Webster coincidió con el periodo de mas esplendor de esa orquestas.
En cada una de ellas, la presencia de Ben Webster coincidió con el periodo de mas esplendor de esa orquestas.
Tras su paso por el atril de Benny Carter, tocó durante mas de un año con la orquesta de Cab Calloway, con el que grabó entre la primavera de 1936 y el verano de 1937, dieciséis temas.
La segunda mitad de la década de los treinta fue en ese sentido, un periodo donde Ben Webster se hizo un lugar propio en la escena jazzistica americana y consiguió ser uno de los grandes saxos tenores del momento.
Su ultimo trabajo en esa década fue tocar en el grupo de Teddy Wilson, donde le tocó acompañar en mas de una grabación a la cantante, Billie Holiday.
El gran momento de su vida llegó en 1940 cuando entró a formar parte de la histórica orquesta de Duke Ellington.
Su ingreso coincidió en el tiempo con la tambien incorporación del bajista, Jimmy Blanton. Entre 1940 y 1943, uno de los grandes momentos de la orquesta de Ellington, Webster fue un pilar indiscutible en la sección de saxos, sin duda la mejor de toda la historia del jazz, junto a Johnny Hodges, o Russell Procope.
Temas como "Satín Doll" y sobre todo "In a Mellowtone" fueron escritos por Duke Ellington y Billy Strayhorn, para mayor gloria de su saxofonista tenor.
Cuando tras la II Guerra Mundial comenzó el ocaso de las Big-Bands, muchos músicos tuvieron que buscarse con mas o menos fortuna su lugar en la música de jazz como solistas, bien formando su propio grupo mas o menos estable o bien como sideman acompañando a otros músicos.
A nuestro protagonista le vino bien la disgregación de las grandes orquestas del swing y en solitario consiguió los éxitos que dentro de la orquesta de Ellington quedaban de alguna forma camuflados.
La peregrinación de Ben Webster cuando en 1943 dejó la orquesta de Ellington, comenzó con el grupo de Sidney Catlett a principios de 1944, Joh Kirby (julio de 1944); Stuff Smith (1945) y con Henry "Red" Allen desde noviembre de 1948, hasta septiembre de 1949.
A partir de ahí, el productor Norman Granz, le liberó de sus problemas económicos cuando lo embarcó en la aventura del "Jazz at the Philharmonic" donde permaneció vinculado hasta 1959.
Convertido en trotamundos, en 1964 emigró a Europa afincándose primero en Copenhague y después en Holanda, hasta que en 1969 echó anclas definitivamente en la capital danesa.
En 1973, actuando en la ciudad holandesa de Leyda, sufrió un infarto que acabó con su vida en un hospital de Amsterdam.
Convertido en trotamundos, en 1964 emigró a Europa afincándose primero en Copenhague y después en Holanda, hasta que en 1969 echó anclas definitivamente en la capital danesa.
En 1973, actuando en la ciudad holandesa de Leyda, sufrió un infarto que acabó con su vida en un hospital de Amsterdam.
Ben Webster, forma parte, junto a Coleman Hawkins y a Lester Young, de la triade de los grandes saxofonistas tenores de la historia del jazz.
Temas
01 - Benny´s tune.mp3
02 - Once in a while.mp3
03 - Ben´s blues.mp3
04 - Sweet Lorraine.mp3
05 - Hymn to freedom.mp3
06 - St. Louis Blues.mp3
07 - Huneysuckle rose.mp3
08 - Tea for two.mp3
09 - Somebody loves me.mp3
10 - Don´t blame me.mp3
11 - I surrender dear.mp3
12 - The horn.mp3
13 - Woke up clipped.mp3
14 - Flying home.mp3
Link
Freddie Mercury - The Very Best Of Freddie Mercury --(solo) - CD 2
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Freddie Mercury - The Very Best Of Freddie Mercury --(solo) - CD 2
Freddie Mercury - The Very Best Of Freddie Mercury --(solo) - CD 2
Temas
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201-freddie_mercury- Love_kills_(sunshine_people_radio_mix).mp3
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202-freddie_mercury- Made_in_heaven_(extended_version).mp3
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203-freddie_mercury- Living_on_my_own_(the_egg_remix).mp3
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204-freddie_mercury- Love_kills_(rank_1_remix).mp3
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205-freddie_mercury- Mr_bad_guy_(bad_circulation_version).mp3
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206-freddie_mercury- I_was_born_to_love_you_ (george_demure_almost_vocal_mix).mp3
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207-freddie_mercury- My_love_is_dangerous_(extended_version).mp3
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208-freddie_mercury- Love_makin_love_(demo).mp3
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209-freddie_mercury- Love_kills_(pixel82_remix).mp3
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210-freddie_mercury- I_was_born_to_love_you_(extended_version).mp3
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211-freddie_mercury- Foolin_around_(early_version).mp3
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212-freddie_mercury- Living_on_my_own_(no_more_brothers_extended_mix).mp3
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213-freddie_mercury- Love_kills_(more_order_rework_by_the_glimmers).mp3
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214-freddie_mercury- Your_kind_of_lover_(vocal_and_piano_version).mp3
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215-freddie_mercury- Lets_turn_it_on_(a_cappella).mp3
Freddie Mercury - The Very Best of Freddie Mercury (solo) - CD 1
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Freddie Mercury - The Very Best of Freddie Mercury (solo) - CD 1
Freddie Mercury
El 5 de septiembre de 1946 nace Farooksh Bulsara
(nombre real de Freddie Mercury), en la isla de Zanzíbar,
junto a la costa de Tanzania.
Su padre, Borni Bulsara,
trabajaba de cajero del
Tribunal Supremo
para el gobierno británico.
Mientras estaba en la escuela de Saint Peter´s en Bombay, su tutora se dio cuenta de su talento para la música y le recomendó que tomara lecciones de piano, y que se apuntara a actividades de coro y teatro.
Fue entonces cuando el joven Farookh formó su primera banda, The Hectics.
En 1962, a los 17 años, Freddie (que así era como le llamaban la familia y amigos) se gradúa en el colegio con las máximas notas en Arte, Historia e Inglés, y se reunió con sus padres en Zanzíbar.
Entonces Zanzíbar era una colonia británica, pero en diciembre de 1963 se convierte en estado independiente, y en 1964 la población africana inicia una revolución que hace que muchos británicos abandonen sus casas, entre ellos los Bulsara, que se fueron a Inglaterra con un par de maletas y poco más.
En septiembre de 1966 fue admitido en el Ealing College of Art para estudiar Diseño Gráfico.
Allí es donde conoce al bajista Tim Staffel.
Tim llevó a Freddie a uno de los ensayos de su grupo Smile, con Brian May a la guitarra y
Roger Taylor a la batería, y pronto se hace amigo de los dos.
Antes de formar parte de Smile, Freddie va ganando experiencia como cantante en varios grupos (Ibex, Wreckage y Sour Milk Sea), pero en abril de 1970 se uniría a Brian y Roger y les convencería para que el nuevo grupo se llamase Queen.
Freddie ha sido la parte más creativa de Queen, además de por las ideas que aportaba, por sus originales canciones, desde Bohemian Rhapsody (con la que hicieron el primer vídeo musical de la historia), hasta la rockera Princes Of The Universe.
En solitario, Freddie Mercury editó los álbumes Mr. Bad Guy y The Freddie Mercury Album, que llegó a número 6 en Reino Unido.
Junto con Montserrat Caballé compuso el álbum Barcelona, cuyo tema principal fue el himno de los Juegos Olímpicos de 1992.
Lo cantó a dúo con Montserrat el 8 de octubre de 1988 en la ciudad condal, siendo ésta la última vez que se subió a un escenario.
Freddie Mercury - The Very Best Of F.Mercury (solo) - CD 1
Temas
101-freddie_mercury- In_my_defence.mp3
102-freddie_mercury- The_great_pretender.mp3
103-freddie_mercury- Livin_on_my_own_(1993_radio_mix).mp3
104-freddie_mercury- Made_in_heaven.mp3
105-freddie_mercury- Love_kills.mp3
106-freddie_mercury- There_must_be_more_to_life_than_this.mp3
107-freddie_mercury- Guide_me_home.mp3
108-freddie_mercury- How_can_i_go_on.mp3
109-freddie_mercury- Foolin_around.mp3
110-freddie_mercury- Time.mp3
111-freddie_mercury- Barcelona.mp3
112-freddie_mercury- Love_me_mike_theres_no_tomorrow.mp3
113-freddie_mercury- I_was_born_to_love_you.mp3
114-freddie_mercury- The_golden_boy.mp3
115-freddie_mercury- Mr_bad_guy.mp3
116-freddie_mercury- The_great_pretender_(malouf_remix).mp3
117-freddie_mercury- Love_kills_(star_rider_remix).mp3
118-freddie_mercury- I_can_hear_music.mp3
119-freddie_mercury- Goin_back.mp3
120-freddie_mercury- Guide_me_home_(Thierry Lang piano version) (bonus track).mp3
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Freddie Mercury & Montserrat Caballé - Barcelona - 1988
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Freddie Mercury - The Very Best of Freddie Mercury (solo) - CD 1
Freddie Mercury
El 5 de septiembre de 1946 nace Farooksh Bulsara
(nombre real de Freddie Mercury), en la isla de Zanzíbar,
junto a la costa de Tanzania.
Su padre, Borni Bulsara,
trabajaba de cajero del
Tribunal Supremo
para el gobierno británico.
Mientras estaba en la escuela de Saint Peter´s en Bombay, su tutora se dio cuenta de su talento para la música y le recomendó que tomara lecciones de piano, y que se apuntara a actividades de coro y teatro.
Fue entonces cuando el joven Farookh formó su primera banda, The Hectics.
En 1962, a los 17 años, Freddie (que así era como le llamaban la familia y amigos) se gradúa en el colegio con las máximas notas en Arte, Historia e Inglés, y se reunió con sus padres en Zanzíbar.
Entonces Zanzíbar era una colonia británica, pero en diciembre de 1963 se convierte en estado independiente, y en 1964 la población africana inicia una revolución que hace que muchos británicos abandonen sus casas, entre ellos los Bulsara, que se fueron a Inglaterra con un par de maletas y poco más.
En septiembre de 1966 fue admitido en el Ealing College of Art para estudiar Diseño Gráfico.
Allí es donde conoce al bajista Tim Staffel.
Tim llevó a Freddie a uno de los ensayos de su grupo Smile, con Brian May a la guitarra y
Roger Taylor a la batería, y pronto se hace amigo de los dos.
Antes de formar parte de Smile, Freddie va ganando experiencia como cantante en varios grupos (Ibex, Wreckage y Sour Milk Sea), pero en abril de 1970 se uniría a Brian y Roger y les convencería para que el nuevo grupo se llamase Queen.
Freddie ha sido la parte más creativa de Queen, además de por las ideas que aportaba, por sus originales canciones, desde Bohemian Rhapsody (con la que hicieron el primer vídeo musical de la historia), hasta la rockera Princes Of The Universe.
En solitario, Freddie Mercury editó los álbumes Mr. Bad Guy y The Freddie Mercury Album, que llegó a número 6 en Reino Unido.
Junto con Montserrat Caballé compuso el álbum Barcelona, cuyo tema principal fue el himno de los Juegos Olímpicos de 1992.
Lo cantó a dúo con Montserrat el 8 de octubre de 1988 en la ciudad condal, siendo ésta la última vez que se subió a un escenario.
Freddie Mercury - The Very Best Of F.Mercury (solo) - CD 1
Temas
101-freddie_mercury- In_my_defence.mp3
102-freddie_mercury- The_great_pretender.mp3
103-freddie_mercury- Livin_on_my_own_(1993_radio_mix).mp3
104-freddie_mercury- Made_in_heaven.mp3
105-freddie_mercury- Love_kills.mp3
106-freddie_mercury- There_must_be_more_to_life_than_this.mp3
107-freddie_mercury- Guide_me_home.mp3
108-freddie_mercury- How_can_i_go_on.mp3
109-freddie_mercury- Foolin_around.mp3
110-freddie_mercury- Time.mp3
111-freddie_mercury- Barcelona.mp3
112-freddie_mercury- Love_me_mike_theres_no_tomorrow.mp3
113-freddie_mercury- I_was_born_to_love_you.mp3
114-freddie_mercury- The_golden_boy.mp3
115-freddie_mercury- Mr_bad_guy.mp3
116-freddie_mercury- The_great_pretender_(malouf_remix).mp3
117-freddie_mercury- Love_kills_(star_rider_remix).mp3
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Freddie Mercury & Montserrat Caballé - Barcelona - 1988
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Jacques Loussier - Ravel - Bolero
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Jacques Loussier - Ravel - Bolero
Jacques Loussier
En el Mozarteum Argentino
2007
Lunes 8 y martes 9 de octubre a las 20:30 hs.
Jacques Loussier Play Bach Trio
Programa
Johann S. Bach: Fuga nº 5 en Re Mayor / Gavota en Re Mayor
Johann S. Bach: Pastoral en Do menor / Air para una cuerda en Sol
Johann S. Bach: Concierto Brandeburgués nº 5 en Re Mayor
Johann S. Bach: Concierto para clave en Re Mayor: III. Allegro
Claude Debussy: Arabesque / L’ Isle joyeuse
Erik Satie: Gymnopédie nº 1
Maurice Ravel: Bolero
--------------------------
Jacques Loussier, compositor y músico francés, es reconocido
por su famoso Play Bach Trio con el que se consagró
por sus magistrales improvisaciones sobre obras de Bach,
En 3 años produjo 4 álbumes que vendieron 6 millones de copias.
Egresado del Conservatorio Nacional de Música de París,
pianista acompañante de Catherine Sauvage y Charles Aznavour.
Comenzó a componer en los años ’80,
formando un nuevo Play Bach Trio en 1985
con el percusionista André Arpino y bajista Vincent Charbonnier.
Tema
Jacques Loussier - Ravel's Bolero
Link
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Publicaciones anteriores
Bobby McFerrin and Guests - Swingin Bach - 2000 - Video (Part 1 - Part 2)
And Jacques Loussier
Pelicula con motivo del 250ª Aniversario del fallecimiento de J.S.Bach.
De gran calidad
Jacques Loussier - Play Bach - In Phase Four Stereo
Jacques Loussier - Bach To The Future
Jacques Loussier - Basically Bach
Jacques Loussier - Reflections Of Bach
.
Jacques Loussier - Ravel - Bolero
Jacques LoussierEn el Mozarteum Argentino
2007
Lunes 8 y martes 9 de octubre a las 20:30 hs.
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Programa
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Johann S. Bach: Pastoral en Do menor / Air para una cuerda en Sol
Johann S. Bach: Concierto Brandeburgués nº 5 en Re Mayor
Johann S. Bach: Concierto para clave en Re Mayor: III. Allegro
Claude Debussy: Arabesque / L’ Isle joyeuse
Erik Satie: Gymnopédie nº 1
Maurice Ravel: Bolero
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Jacques Loussier, compositor y músico francés, es reconocido
por su famoso Play Bach Trio con el que se consagró
por sus magistrales improvisaciones sobre obras de Bach,
En 3 años produjo 4 álbumes que vendieron 6 millones de copias.
Egresado del Conservatorio Nacional de Música de París,
pianista acompañante de Catherine Sauvage y Charles Aznavour.
Comenzó a componer en los años ’80,
formando un nuevo Play Bach Trio en 1985
con el percusionista André Arpino y bajista Vincent Charbonnier.
Tema
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Charly Garcia - En Vivo Puerto Madero Pub - Rosario - 1999
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Charly Garcia - En Vivo Puerto Madero Pub - Rosario - 1999
Charly Garcia
- En vivo - Puerto Madero Pub
- Rosario - Provincia de Sata Fe
- Argentina - 1999
Parte 1
01- Pagarás con interés.mp3
02- Locomotion.mp3
03- Ya no te quiero.mp3
04- Sympathy for the devil.mp3
05- You really got me.mp3
06- Purple hale.mp3
07- We don’t cry.mp3
08- Money tonk woman.mp3
09- Cerebrus.mp3
10- Ticket to ride.mp3
Parte 2
11- Maradona blues.mp3
12- La hiena.mp3
13- Dogo.mp3
14- Twist and shout.mp3
15- Dos edificios dorados.mp3
16- Adiós nonino.mp3
17- Los dinosaurios.mp3
18- Cerca de la revolución.mp3
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Parte 1
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Parte 2
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Charly Garcia y Serú Girán - Viernes 3 A.M.
Charly Garcia & León Gieco & et al - Porsuigieco
Charly García - En Vivo - Teatro Colón - 2002
Celeste Carballo & Charly Garcia & Baila: Julio Bocca - El Dia Que Me Quieras - Video
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George Gershwin - Gershwin plays Gershwin - The Piano Rolls
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George Gershwin - Gershwin plays Gershwin - The Piano Rolls
Hijo de una familia de inmigrantes rusos de origen judío, su talento para la música se manifestó a temprana edad, cuando, mediante un voluntarioso aprendizaje autodidacto, aprendió a tocar el piano de oído.
Sin embargo, los grandes referentes de Gershwin en aquellos primeros años fueron Irving Berlin y Jerome Kern, reyes del Broadway de la época gracias a sus canciones y sus comedias musicales. El deseo de triunfar como compositor en las salas de concierto, aunque latente entonces, no tomaría forma hasta años más tarde.
Así, abandonó en 1914 sus estudios para trabajar en unos almacenes de música en los que, sentado al piano, presentaba al público las melodías de moda.
Su inmediato éxito significó el verdadero comienzo de su carrera como compositor.
A partir de la década de 1920, inició también la composición de otros trabajos destinados a las salas de concierto.
El éxito no hizo olvidar a Gershwin sus numerosas lagunas técnicas, por lo que prosiguió sus estudios musicales con la intención de enriquecer su estilo y abordar metas más ambiciosas.
A pesar de algunas dificultades iniciales, Porgy and Bess se impuso rápidamente en los escenarios de todo el mundo, hasta el punto de que hoy es la ópera estadounidense por antonomasia.
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George Gershwin - Gershwin plays Gershwin - The Piano Rolls
George Gershwin
(Jacob Gershvin;
Brooklyn, EE UU, 1898-Beverly Hills, id., 1937)
Compositor estadounidense.
En un país que, hasta el final de la Primera Guerra Mundial, había dependido en el ámbito musical casi exclusivamente de modas, compositores e intérpretes llegados de Europa,
George Gershwin fue el primero en hacer oír una voz inequívocamente autóctona, aunque capaz, al mismo tiempo, de conquistar el éxito fuera de las fronteras de su patria.
Y lo hizo a través de unas obras en que hábilmente se sintetizaban elementos procedentes del jazz y de la tradición clásica, y que le permitieron destacar por igual en campos tan dispares como el de la música sinfónica y la popular.
Hijo de una familia de inmigrantes rusos de origen judío, su talento para la música se manifestó a temprana edad, cuando, mediante un voluntarioso aprendizaje autodidacto, aprendió a tocar el piano de oído.
Ante su entusiasmo, su padre decidió hacerle estudiar en serio con un profesor, Charles Hambitzer, quien le descubrió el mundo sonoro de compositores como Liszt, Chopin o Debussy.
Sin embargo, los grandes referentes de Gershwin en aquellos primeros años fueron Irving Berlin y Jerome Kern, reyes del Broadway de la época gracias a sus canciones y sus comedias musicales. El deseo de triunfar como compositor en las salas de concierto, aunque latente entonces, no tomaría forma hasta años más tarde.
Así, abandonó en 1914 sus estudios para trabajar en unos almacenes de música en los que, sentado al piano, presentaba al público las melodías de moda.
Pronto se animó él mismo a componer sus primeras canciones, algunas de las cuales consiguieron cierta popularidad y, sobre todo, le valieron la oportunidad de escribir su primer musical para Broadway, La, la, Lucille.
Su inmediato éxito significó el verdadero comienzo de su carrera como compositor.
A éste siguieron otros títulos como Lady Be Good, Oh Kay!, Funny Face, Girl Crazy y Of Thee I Sing, que contribuyeron a cimentar su fama y a convertirlo en un personaje aún más popular que sus admirados Kern y Berlin.
A partir de la década de 1920, inició también la composición de otros trabajos destinados a las salas de concierto.
Fecha señalada en este sentido fue la del 12 de febrero de 1924, cuando estrenó en el Aeolian Hall de Nueva York su Rhapsody in blue, una pieza para piano y orquesta en la que de manera original se sintetizaban algunos elementos del jazz, como la síncopa, con otros de procedencia clásica.
En dicha época Gershwin no conocía lo suficiente de orquestación, por lo que la misma fue
realizada por Ferder Groffe (el autor del Gran cañón del Colorado). Además, agregamos
que la orquesta que acompañó al autor (pianista) en el estreno era la de paul Whiteman.
RBerdi.
La obra fue polémica, sobre todo a causa de esa misma mezcla de estilos «serio» y «ligero» que constituye su esencia, pero en poco tiempo consiguió hacerse con un puesto en el repertorio de los mejores solistas y las más destacadas orquestas.
El éxito no hizo olvidar a Gershwin sus numerosas lagunas técnicas, por lo que prosiguió sus estudios musicales con la intención de enriquecer su estilo y abordar metas más ambiciosas.
En 1925 llegó otra composición concertante, el Concierto para piano en fa, a la que siguió tres años más tarde la pieza sinfónica Un americano en París.
La culminación de su carrera como compositor llegó en 1935 con la ópera Porgy and Bess, convincente retrato de la vida de una comunidad negra en el sur de Estados Unidos, en la que el autor, fiel a su estilo, sintetizó las dos tradiciones que conocía: la estadounidense, representada por el jazz y el espiritual, y la sinfónica europea.
A pesar de algunas dificultades iniciales, Porgy and Bess se impuso rápidamente en los escenarios de todo el mundo, hasta el punto de que hoy es la ópera estadounidense por antonomasia.
Gershwin, sin embargo, no pudo disfrutar durante mucho tiempo de su éxito: un tumor cerebral truncó prematuramente su vida, privando a la música estadounidense de uno de sus compositores más representativos y universales.
http://www.biografiasyvidas.com/biografia/g/gershwin.htm
http://www.biografiasyvidas.com/biografia/g/gershwin.htm
George Gershwin - Gershwin plays Gershwin - The Piano Rolls
Temas
01 - Sweet And Lowdown.mp3
02 - Novelette in fourths.mp3
03 - That certain feeling.mp3
04 - So am i.mp3
05 - Rhapsody in blue.mp3
06 - Swanee.mp3
07 - When you want 'em, you can't get 'em....mp3
08 - Kickin' the clouds away.mp3
09 - Idle dreams.mp3
10 - On my mind the whole night long.mp3
11 - Scandal walk.mp3
12 - An American in Paris.mp3
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Fabulous Swing Collection - Great Orchestras
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Fabulous Swing Collection - Great Orchestras
Fabulous Swing Collection - Great Orchestras
Swing
Baile de origen norteamericano.
Las raices de este pegadizo ritmo hay que buscarlas en las "big bands" americanas de finales de los años 30 y principios de los 40.
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En aquel entonces, las orquestas de baile más famosas (como las de Benny Goodman o Glenn Miller) eran tan populares como un cantante de pop puede serlo hoy día y sus discos sonaban constantemente en la radio
Se vendían en gran cantidad a un público ávido de diversión y entretenimiento.
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Estas bandas, buscando una forma diferente de interpretar el jazz para hacerlo más bailable, acabaron dando lugar a un sonido basado en la supremacía absoluta de la sección de vientos
Estas bandas, buscando una forma diferente de interpretar el jazz para hacerlo más bailable, acabaron dando lugar a un sonido basado en la supremacía absoluta de la sección de vientos
de la orquesta, muy pegadizo y con un ritmo caracteristico que ellos llamaron "swing",
y que acabó por dar nombre a dicha música y su baile.
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A continuación una muy buena selección de temas
interpretados por importantes
orquestas.
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Temas
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01 - Benny Goodman & His Orchestra- Don't Be That Way.mp3
02 - Glenn Miller & His Orchestra-In the Mood.mp3
03 - Tommy Dorsey & His Orchestra- Opus One.mp3
04 - Charlie Barnet & His Orchestra- Cherokee.mp3
05 - Artie Shaw & His Orchestra- Non-Stop Flight.mp3
06 - Glen Gray- Casa Loma Stomp.mp3
07 - Duke Ellington & His Orchestra- Take the 'A' Train.mp3
08 - Jack Leonard- Marie.mp3
09 - Cab Calloway- Minnie the Moocher.mp3
10 - Glenn Miller & His Orchestra- American Patrol.mp3
11 - Bunny Berigan & His Orchestra- All God's Chillun Got Rhythm.mp3
12 - Artie Shaw & His Orchestra- Back Bay Shuffle.mp3
12 - Artie Shaw & His Orchestra- Back Bay Shuffle.mp3
13 - Duke Ellington & His Orchestra- Cotton Tail.mp3
14 - Glenn Miller & His Orchestra- A String of Pearls.mp3
16 - Jimmie Lunceford & His Orchestra- Swingin' Uptown.mp3
17 - Fletcher Henderson & His Orchestra- Mary Had a Little Lamb.mp3
18 - Charlie Barnet & his orchestra - Flying home.mp3
18 - Charlie Barnet & his orchestra - Flying home.mp3
19 - Benny Goodman & His Orchestra- Sing, Sing, Sing (With a Swing), Pt. 1 & 2.mp3
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Oscar Alemán - El Inolvidable Oscar Alemán
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Oscar Alemán - El Inolvidable Oscar Alemán
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Oscar Alemán - El Inolvidable Oscar Alemán
.Oscar Alemán
Por Bosquín Ortega
Cuando ese bambú dentro de un ánfora de pantera, lo vio tocar la guitarra, bailar y zapatear, cantar y monologar, todo bien y a la vez, pensó que asistía a un inédito prodigio de naturaleza artística.
Cuando ese bambú dentro de un ánfora de pantera, lo vio tocar la guitarra, bailar y zapatear, cantar y monologar, todo bien y a la vez, pensó que asistía a un inédito prodigio de naturaleza artística.
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Ella ya era una diva del jazz europeo, con atávico síncopa de gene afro, que había tatuado pupilas con su cuerpo tallado en temblor de quásar y fibra de ónix.
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Su apodo de “La Venus de Ébano” había trascendido el cíclico esplendor de las marquesinas francesas y encarnado al imaginario urbano del hombre galo.
Aquella jabalina con meandros – la distancia entre sus piernas, caderas y torso guardaban la armonía áurea del siglo de Pericles – se llamaba Josephine Baker, estrella indiscutible del firmamento mediterráneo, legendaria cantante y bailarina del varieté de preguerra.
El calendario precipitaba a 1932, y el huevo de la serpiente del nazismo aguardaba en tenebrosa latencia.
Aquella jabalina con meandros – la distancia entre sus piernas, caderas y torso guardaban la armonía áurea del siglo de Pericles – se llamaba Josephine Baker, estrella indiscutible del firmamento mediterráneo, legendaria cantante y bailarina del varieté de preguerra.
El calendario precipitaba a 1932, y el huevo de la serpiente del nazismo aguardaba en tenebrosa latencia.
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Aquel hombrecito delgado, de piel mulata y bigotes medidos, cabello crespo con gomina, gafas de carey y cadencia caribeña, terminó por seducir a La Baker, coral de fuego. Aceptó al músico, y lo incorporó como primera guitarra de su orquesta estable.
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Aquel hombrecito delgado, de piel mulata y bigotes medidos, cabello crespo con gomina, gafas de carey y cadencia caribeña, terminó por seducir a La Baker, coral de fuego. Aceptó al músico, y lo incorporó como primera guitarra de su orquesta estable.
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El pasaporte legalizaba a Oscar Marcelo Alemán, nacido el 20 de Febrero de 1909, en la República Argentina.
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Oriundo de Machagai, provenía de una familia de músicos que vivían de su tarea musical.
Oriundo de Machagai, provenía de una familia de músicos que vivían de su tarea musical.
Su padre, guitarrista folklórico, formaba parte de un cuarteto de arte nativo, integrado por Carlos, Jorgelina y Juan, sus propios hijos.
Por su parte, Oscarcito, de breves seis años, lucía una destreza inusual como zapateador de malambo, impulsado por una elástica postura y un tono muscular, inusuales para un niño de su edad. Llamaba la atención, el modo espontáneo y natural de “pararse” en el centro de la escena (don de sitio del danzarín) y la simpatía de sus movimientos de acrobático humorismo.
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En 1915, realizó una actuación memorable, en el escenario del Teatro Nuevo, donde hoy funciona el Teatro Municipal General San Martín.
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A causa de una separación familiar, Oscarcito comienza, a los diez años, una vida de errancia y autodeterminación, constantes de su vida futura. Se lo recuerda lustrabotas en las diagonales numéricas de Sáenz Peña. Alguien le acerca un “cavaquinho”, pequeña guitarra de cuatro cuerdas, con lo que inicia una carrera excepcional de instrumentista, que mantendría en abierta fidelidad hasta el cese de sus manos virtuosas, en la provincia de Buenos Aires.
A causa de una separación familiar, Oscarcito comienza, a los diez años, una vida de errancia y autodeterminación, constantes de su vida futura. Se lo recuerda lustrabotas en las diagonales numéricas de Sáenz Peña. Alguien le acerca un “cavaquinho”, pequeña guitarra de cuatro cuerdas, con lo que inicia una carrera excepcional de instrumentista, que mantendría en abierta fidelidad hasta el cese de sus manos virtuosas, en la provincia de Buenos Aires.
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Alrededor de 1926, toca, de manera profesional, en cafés y clubes nocturnos, junto a Gastón Bueno Lobo, otro guitarrista con quien forma un dúo de género variado. Incursiona como autor de tangos, y Agustín Magaldi, cantor de hondo lirismo criollo, le graba una versión.
Alrededor de 1926, toca, de manera profesional, en cafés y clubes nocturnos, junto a Gastón Bueno Lobo, otro guitarrista con quien forma un dúo de género variado. Incursiona como autor de tangos, y Agustín Magaldi, cantor de hondo lirismo criollo, le graba una versión.
Alterna actuaciones con Carlos Gardel y se vincula con Enrique Santos Discépolo, a través de incursiones en la revista musical, al estilo de “Blum”, con libro y puesta del poeta y actor porteño.
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Viaja después por tierra brasilera y otras latitudes sudamericanas, mestizando un proceso rítmico que abona el sustrato intuitivo de su virtuosismo ecléctico y fascinante. Todas las vertientes musicales navegan el diapasón de su guitarra esencialmente versátil, profundamente cósmica.
Viaja después por tierra brasilera y otras latitudes sudamericanas, mestizando un proceso rítmico que abona el sustrato intuitivo de su virtuosismo ecléctico y fascinante. Todas las vertientes musicales navegan el diapasón de su guitarra esencialmente versátil, profundamente cósmica.
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Estimulada por la curiosidad de un talento expandido, Josephine Baker lo convoca a una prueba que lo confirma y la deslumbra. Ambos conforman un dueto de antológica faceta que persiste en la iconografía y discografía, tanto de difusión como de investigación, de la música francesa.
Estimulada por la curiosidad de un talento expandido, Josephine Baker lo convoca a una prueba que lo confirma y la deslumbra. Ambos conforman un dueto de antológica faceta que persiste en la iconografía y discografía, tanto de difusión como de investigación, de la música francesa.
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Recorren una pléyade de escenarios que rutilan con los efectos destellantes de una alianza irrepetible, hasta la invasión alemana a París, en 1940, que los obliga a desmembrar la compañía y continuar separados.
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Oscar Alemán, figura reconocida de críticos y melómanos, se lanza a una gira por el continente europeo. Conoce a Louis Armstrong y Duke Ellington, quienes detectan su capacidad improvisativa e intuitiva, pese a que Oscar Alemán tendía más a un swinger diferente que a un jazzman típico.
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Pero es Django Reinhardt, el célebre guitarrista de origen gitano (que pese a un accidente que le inutilizó parte de una mano, prosiguió tocando con técnica y eficacia similares), quién le produce una implosión totalizante en la percepción y en los códigos instrumentales.
Ambos se admiran y respetan, comparten sesiones e improvisaciones y tocan en el
Hot Club de Francia, santuario del jazz eurocéntrico.
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Alemán no se preocupó de la influencia de Reinhardt, pues supo incorporar y metabolizar alemanalmente la potencia avasallante del genial romaní. Él cuerdista chaqueño, ciudadano del mundo, constituía una alquimia rítmica de extraña aleación: era un prestidigitador y un “chanssonier”, un velocista y un efectista, un comediante y un danzarín, de improbable réplica contemporánea.
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Impuso el hábito de girar y apoyar la guitarra sobre las espaldas, y ejecutar (hacia atrás) fragmentos de canciones. Alemán matrizó una paternidad de hacer alta música popular con un sentido del espectáculo en términos de producida magnitud.
Impuso el hábito de girar y apoyar la guitarra sobre las espaldas, y ejecutar (hacia atrás) fragmentos de canciones. Alemán matrizó una paternidad de hacer alta música popular con un sentido del espectáculo en términos de producida magnitud.
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De vuelta al país, logra un éxito impactante, pero persuasivo: su tema “Rosa madreselva”, se proyecta como pieza de culto y cifra de venta.
De vuelta al país, logra un éxito impactante, pero persuasivo: su tema “Rosa madreselva”, se proyecta como pieza de culto y cifra de venta.
Alemán ofrece al predominio del jazz melódico – las compactas bandas nutridas,al modo de Glenn Miller, que insuflaban energía a los frentes de batalla y a los salones de retaguardia estadounidenses – la irreverente brillantez del swing, personalista y vertiginoso.
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Diez años después, con su invariable humor activo, funda una escuela de aprendizaje para jóvenes guitarristas, sin sustento económico.
Diez años después, con su invariable humor activo, funda una escuela de aprendizaje para jóvenes guitarristas, sin sustento económico.
Alemán pese a periodos de dilación laboral, comunes al mercado voluble de los intereses fonográficos, se mantiene en su carácter de solista y convoca a un quinteto de tres violines, contrabajo y batería.
El primer violín era ejecutado por Hernán Oliva, uno de los instrumentistas favoritos del impar Enrique “Mono” Villegas.
Las últimas grabaciones las concreta junto a Eduardo Rovera, rodeado por sus discípulos que valoraban su bonhomía y su ejercicio saludable del humor en todo acto vital.
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Oscar Alemán, esposo de Carmen Vallejos y padre de Selva Alemán, talentosas actrices nacionales, falleció el 14 de Octubre de 1980.
Oscar Alemán, esposo de Carmen Vallejos y padre de Selva Alemán, talentosas actrices nacionales, falleció el 14 de Octubre de 1980.
Desde el otro siglo, su nombre figura en los
anales de la Enciclopedia Mundial del Jazz.
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El olvido irresponsable y la ingratitud deleznable no tienen edad. Son impunemente vigentes. ¿Algún funcionario nomenclador con sentido común y vergüenza patriótica se acordará, en alguna calle de tantos barrios nuevos del Gran Resistencia, de nuestro Oscar Alemán, que honra al Chaco en el mundo y que posee varios sitios de Internet en el mundo y ni uno solo en su provincia?
El olvido irresponsable y la ingratitud deleznable no tienen edad. Son impunemente vigentes. ¿Algún funcionario nomenclador con sentido común y vergüenza patriótica se acordará, en alguna calle de tantos barrios nuevos del Gran Resistencia, de nuestro Oscar Alemán, que honra al Chaco en el mundo y que posee varios sitios de Internet en el mundo y ni uno solo en su provincia?
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La memoria es la madre del recuerdo. CH.
Oscar Alemán - El Inolvidable O.A.
Temas
01-Oscar Alemán-Tenias que ser Tu.mp3
02-Oscar Alemán-Alexander's Band.mp3
03-Oscar Alemán-Rosa Madreselva.mp3
04-Oscar Alemán-Susurrando.mp3
05-Oscar Alemán-No Puedo darte mas que amor.mp3
06-Oscar Aleman-De buen humor.mp3
07-Oscar Alemán-Hombre Mio.mp3
08-Oscar Alemán-Ritmo Loco.mp3
09-Oscar Alemán-Saint Louis Blues.mp3
10-Oscar Alemán-Cuando los santos vienen.mp3
11-Oscar Alemán-Oscar Blues #3.mp3
12-Oscar Alemán-Tono #1.mp3
13-Oscar Alemán-Gabilu.mp3
14-Oscar Alemán-Encontré una nueva Nena.mp3
15-Oscar Alemán-Para mi Eres Divina.mp3
16-Oscar Alemán-Limehouse Blues.mp3
17-Oscar Alemán-Muchacho Chino.mp3
18-Oscar Alemán-Joe Louis.mp3
19-Oscar Alemán-Caravana.mp3
Link
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Charly Garcia y Serú Girán - Viernes 3 A.M.
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Charly Garcia y Serú Girán - Viernes 3 A.M.
Seru Giran
Charly García: teclados y voz
David Lebón: guitarra y voz
Oscar Moro: batería
Pedro Aznar: bajo
Las primeras sesiones de grabación comenzaron en los estudios El Dorado de San Pablo, y culminaron en ABC Recording Studios de Los Angeles, Estados Unidos.
"Serú Girán" (1978) contó con la colaboración de Daniel Goldberg, quien tenía a su cargo los arreglos musicales y la dirección de la orquesta de 24 músicos que participó en algunos temas como "Eiti-Leda" o "Serú Girán".
La complejidad armónica de este proyecto demuestra que, desde el comienzo, las ambiciones que tenían apuntaban mucho más alto que la del resto de los músicos nacionales de ese momento.
El resultado final del disco los entusiasmó mucho: sonaba como una fusión de jazz-rock con música brasilera.
Pedro recuerda: «...cuando apareció ese álbum, la prensa le dio una importancia infernal, se creó todo una caso... había un inmovilismo total».
La revista Pelo, una de las publicaciones especializadas de la época, decía: «"Serú Girán" es un álbum compacto, extremadamente pulido en su producción, a pesar de lo cual suena menos armado que La Máquina de Hacer Pájaros. (...) Serú Girán debuta con un buen álbum. Una música que trasluce los nuevos horizontes de García y sus nuevos compañeros de ruta.» (Pelo Nº104).
El primer show en vivo de Serú Girán tuvo lugar en el Riachuelo, a bordo de un barco anclado. Este recital - al cual sólo asistieron periodistas, músicos y amigos - tenía la finalidad de observar la respuesta de la crítica especializada. Esa noche el grupo se mostró sólido y contundente, lo que parecía, abriría las puertas del público masivo rápidamente.
El debut en vivo de la banda ante el público porteño ocurrió dos semanas después, el 28 de julio de 1978, en el estadio Luna Park, con orquesta (sección de cuerdas y vientos) y circuito cerrado de televisión. En al parte trasera del escenario, una pantalla gigante mostraba a los músicos dirigiéndose a escena. David, Pedro y Oscar salieron vestidos totalmente de blanco, mientras que Charly eligió una malla negra, saco y zapatillas.
El comienzo del recital, con la orquesta a pleno interpretando la poderosa introducción del tema "Serú Girán", presagiaba una noche inolvidable. No fue así. Cuando tocaron el tema "Disco Shock"- una sátira de la música disco, tan en boga en el momento - la gente presente creyó que era en serio y, tras un coro de silbidos, empezaron a pedirle a García el "Blues del Levante", el tema que había compuesto con motivo de la despedida de Sui Generis.
El público quedó desconcertado y el resto del recital transcurrió ante la indiferencia general. La gente no había entendido el mensaje, o Serú no había sabido expresarlo.
Las críticas de los medios contra la banda arreciaron. El diario La Opinión, por ejemplo, publicó que eran lo peor que había en la Argentina, y sostenía que tenían «voces homosexuales». Estas declaraciones eran la culminación de una "campaña de desprestigio" que había tenido lugar contra García, mientras el grupo estaba ensayando en Brasil. La vanguardia de esa campaña había sido el titular: «Charly García, ¿ídolo o qué?».
Para el segundo trabajo discográfico, "La Grasa de las Capitales" (1979), Serú eligió una propuesta mucho más directa. Eliminaron la orquesta, que no había sido totalmente aceptada por el público, y compusieron temas más simples y directos.
La crítica de la revista Pelo a este disco fue bastante positiva: «"La Grasa..." es un disco que va a tener admiradores y detractores igualmente incondicionales. Por un lado, estarán los que darán la bienvenida a un García que abandonó la complejidad y retorna a la temática de crítica social que tan bien desarrolló anteriormente. Y por el otro, habrá quienes condenen esta simplicidad como falta de progreso. Pese a todo, es uno de los trabajos más logrados del año.» (Pelo No 122).
Los rumores de separación quedaron desacreditados con la presentación del long-play, a lo largo de seis funciones en el Auditorio Buenos Aires, previa gira por las ciudades de Córdoba, San Luis y Mendoza. Tras la experiencia frustrante del comienzo, prefirieron no exponerse demasiado y escogieron un lugar pequeño.
El show comenzó en la oscuridad total, mientras se escuchaba el playback del coro de introducción al tema "La Grasa...". Acto seguido, se encendieron todas las luces y la banda irrumpió en el escenario. "Viernes 3 AM", "Perro andaluz" y "Los sobrevivientes" fueron los temas más festejados por el público. También hubo lugar para la nostalgia:
"Seminare" y "Eiti-Leda" obtuvieron el reconocimiento de la gente, durante los bises. A fuerza de recitales y tenacidad, Serú logró revertir las opiniones de la crítica y del público. Allí comenzó a gestarse el fenómeno masivo que aún hoy persiste.
El siguiente álbum de Serú Girán se llamaría "Bicicleta" (1980). Años más tarde se recordaría el tercer disco de Serú Girán como lo mejor de la agrupación, llegándoselo incluso a comparar con "Abbey Road", el transformador duodécimo LP de los Beatles. Sin embargo, en ese entonces, los medios «especializados» no le atribuyeron al material tanta importancia.
Por ejemplo, Pelo comentaba: «...el tercer álbum de Serú Girán probablemente recorrerá el camino del éxito que tuvieron los anteriores, pero es difícil que "Bicicleta" representa plenamente el poderío de esta banda. (...) Serú Girán llegó al máximo de sus posibilidades sobre un escenario, pero todavía le falta andar mucho camino en los estudios». (Pelo No 139).
El disco "Bicicleta" - nombre que en un principio Charly había propuesto para el grupo, pero fue rechazado por el resto - fue presentado en Obras, el 6 y 7 de junio de 1980. En el escenario se podían observar ruedas de bicicleta, conejos y flores, algo que llamó la atención del público y de la prensa, por ser el primer grupo que tenía algún tipo de preocupación por la puesta en escena.
El hecho se debió a que Serú Girán había delegado la responsabilidad escenográfica a Renata Schussheim, una vieja amiga de Charly. A partir de "Bicicleta", Serú Girán comenzó con sus grandes shows.
Un mes después, en agosto de 1980, se presentaron en el Monterrey Jazz Festival, en Río de Janeiro. Tradicionalmente, los representantes argentinos en este festival estaban más vinculados al jazz o al tango que al rock progresivo que proponía Serú. Ese año el concierto se dividió en dos partes. En la primera, se presentaban Serú, el guitarrista Pat Metheny y George Duke.
El éxito obtenido por los argentinos en esa función fue tal, que los organizadores les ofrecieron volver a tocar en la segunda - la principal - junto a John McLaughlin, Hermeto Pascoal, Edgberto Gismonti y Weather Report.
«Cuando tocaba McLaughlin, la gente patinaba y le tiraba avioncitos de papel. ¡Yo me quería morir! Si a McLaughlin le hacían eso, a nosotros nos achuraban», recuerda García. Sin embargo, esta predicción resultó completamente errónea. La principal razón de la respuesta favorable del público residió en la variedad de matices en los temas interpretados por ellos y, asimismo, algunos de éstos tenían una cadencia marcada que invitaba al baile.
Este festival marcó dos hechos muy importantes para la vida del grupo. Por un lado, se hicieron conocer y dejaron una muy buena impresión entre los cariocas, hecho destacado incluso por la prensa argentina (Clarín, 28/08/80).
Por el otro, allí fue donde Pat Metheny conoció a Pedro Aznar: el comienzo del fin.
Antes de terminar el año, otros dos hitos en la Historia del Rock Nacional tendrían como protagonistas al grupo. El primero, fueron los dos recitales (12 y 13 de setiembre) en los que tocaron junto a Spinetta Jade. Es un hecho histórico que dos grupos de semejante magnitud estuvieran simultáneamente en el escenario.
Cuando apareció Luis Alberto Spinetta y arrancó con el tema de Sui Generis "Cuando ya me empiece a quedar solo", la gente entendió que no se encontraba ante un recital común.
Luego, de la oscuridad, surgió Charly con el tema "Que ves el cielo".
Bajo un clima enfervorizado, Lebón interpretó "Música del alma" y luego entraron todos los demás: Aznar y Moro, por un lado, Spinetta, Pomo, Satragni y Rapoport y Del Barrio por el otro.
Juntos tocaron temas de la agrupación comandada por el Flaco, y la gente aplaudió a rabiar. El recital se cerró con los dos grupos sobre el escenario interpretando "El mendigo en el andén" y "Crisálida".
La actuación de Spinetta Jade fue muy aplaudida, pese a su difícil estilo. Fue notorio el esfuerzo de Spinetta por lograr mayor simpleza en su música, para que el público de Obras pudiera entender su mensaje. Serú Girán, en cambio, fue ovacionado desde el comienzo, dejando en evidencia el increíble «feeling» que tenía con la gente.
El otro hito importante tuvo lugar en la Rural. El 30 de diciembre, 60.000 personas, según cifras de la Policía Federal, se congregaron para escuchar a la banda número uno:
«... el picadero de la Rural estaba abarrotado. Una compacta cola (...) llegaba hasta la estación Pacífico.
Aunque la Policía no encontraba clave alguna en la letra de "Alicia en el País", repetida hasta el cansancio, igualmente retuvo a un puñado de muchachos. Los productores negociaron y finalmente ese 30 de diciembre no hubo detenidos» (Ramos / Lejbowicz, pág.23).
García comentaba: «...con este asunto de ir a los recitales y que te lleve la cana, la gente al final se da cuenta de que lo único que te pasa es que vas a dormir en una comisaría, pero que nadie puede para toda la onda». (Humor, año 1981).
En 1981 el presidente de facto Roberto Viola buscó acercarse a los músicos. Inteligentemente, utilizó la fuerte ascendencia de éstos sobre la juventud, para mostrar al país su «aflicción» por los problemas que sufrían los jóvenes.
Los rockeros no salían de su asombro. Spinetta recuerda una anécdota al respecto:
«Yo les batí un par de cosas y también les sugerí que construyeran el observatorio más grande del mundo... un delirio, pero qué les iba a decir?» (Berti, pág.60).
En el tema "Encuentro con el diablo", David Lebón ironizaba sobre esta reunión: «nunca pensé encontrarme con el jefe / en su oficina de tan buen humor / pidiéndome que diga lo que pienso / qué es los que pienso yo de esta situación.»
"Peperina" (1981), el cuarto disco de Serú Girán, que se había empezado a grabar en abril, fue lanzado para fines de ese año. La historia de Peperina es conocida: «Quiero contarles una buena historia / la de una chica que vivió la euforia / de ser parte del rock / tomando té de peperina».
El tema trata acerca de una señorita que escribía notas de rock en Córdoba. Siempre que Serú tocaba en esa ciudad, ella calificaba la presentación uno «un bochorno». De más está decir que, pese a sus defenestrantes críticas, los estadios se llenaban. Se dice que cuando escuchó «su» tema por primera vez, acotó que Serú Girán seguía sin gustarle, pero que García era "un buen sociólogo" (?).
Con respecto al disco, Charly sostiene que es un adelanto notable en cuanto a la calidad de grabación. Sin embargo, la revista Pelo no se mostró muy conforme con este trabajo: «Peperina no impresiona como un álbum compacto. En él hay canciones que nítidamente se diferencian de nivel, literaria y musicalmente. (...)
Tienen marcas familiares de toda la música de Serú: canciones melancólicas, melodías agradables sobresaltadas por algún riff ardiente y las mismas falencias de producción que el grupo arrastra desde su primer trabajo discográfico (...) El disco no decepcionará a los seguidores, pero no tiene la homogeneidad de "La Grasa..." y plantea el interrogante sobre el futuro (...)
Llegó el momento difícil: están en la cima y lo que hagan puede hacerlos afirmar o tambalearse». (Pelo Nº154).
Por el contrario, Gloria Guerrero, en el número 63 de Humor, comentaba: «El álbum, por lo poco que pude escuchar de él en un cassettito, la gasta, y tal cosa no me sorprende». En el número siguiente, completa: «...probablemente, "Peperina" no representa un 'enorme' paso al frente luego de su trabajo anterior. Parece, a fuerza de ser sinceros, algo así como un "álbum complementario" de "Bicicleta", aunque más suelto y espontáneo».
Los días 4, 5 y 6 de setiembre el disco fue presentado en el estadio Obras.
En honor al Sgt. Pepper's de Los Beatles, Serú Girán salió a escena con un show simple.
Esta sencillez permitió que la conjunción música-imagen se diera sin altibajos. En principio, cuando Charly y David compusieron los temas de este disco, García pensó que se trataba más de una película que de un long-play. Por eso se le ocurrió la idea de poner en el recital una pantalla gigante, proyectar videos grabados especialmente y que el grupo tocara en penumbras, acompañando a esas imágenes. Lo que impidió la concreción de esta idea fue el techo demasiado bajo del estadio: la pantalla taparía gran parte del escenario y ellos quedarían ocultos casi completamente. Finalmente, la idea fue descartada.
Para despedir el año, tocaron el 25, 26 y 27 de diciembre en el teatro Coliseo, en la Capital Federal. Para esos shows, Charly contrató a las Bay Biscuits, un grupo de teatro-rock integrado por Vivi Tellas, Mayco Castro Volpe, Lisa Wakoluk, Diana Nylon y Fabiana Cantilo (ésta última sería luego corista estable de la banda de Charly). El número iba intercalado en el concierto y fueron recibidas con chiflidos e insultos de todo tipo.
En enero del '81 Aznar es convocado por el guitarrista norteamericano Pat Metheny para incorporarse a su banda.
Acordaron encontrarse en Estados Unidos, ya que Pedro viajaría al año siguiente para estudiar en la Universidad de Berklee. Este hecho marcaría el final de la banda.
Las críticas de los discos anteriores coincidían en una cosa: a Serú, en estudios, le faltaba la fuerza y la energía que tenía en vivo. Fue necesario esperar hasta el final mismo de esta agrupación (al menos en ese momento la disolución era definitiva) para conseguir el registro de ese material.
«Cuando Pedro me comentó que se iba, me sentí muy mal - rememora Charly - porque habíamos logrado un grupo que sonaba muy bien (...) Habíamos conseguido mucha comunicación con la gente (...) Además, se nos estaban abriendo las puertas de Europa y sin él no lo vamos a poder aprovechar.
Por otro lado, Pedro es un músico que está muy por sobre el nivel de lo que es la Argentina ahora (1982) y era lindo tocar con un tipo así. Pero también me sentí muy bien porque Pedro tiene otras perspectivas de vida y otros gustos musicales. El quiere realizarse como persona, y me parece bárbaro». (Pelo Nº160).
Cuando Aznar le anunció al grupo que se iba, todos decidieron tomarse un tiempo para reflexionar. Fue así que Charly viajó a Brasil para trabajar en su primer disco solista; David se tomó unas vacaciones en Punta del Este y Oscar se quedó en Buenos Aires. Al mes siguiente (febrero de 1982), los cuatro músicos se reunieron para realizar una gira por la Costa Atlántica: San Bernardo, Villa Gessell, Necochea, Pinamar, Miramar, Santa Teresita y, obviamente, Mar del Plata fueron los sitios elegidos por la banda. El día final de la agrupación estaba cada vez más cerca.
Pero la historia del grupo merecía un broche de oro: era necesario un Adiós Serú Girán.
Debía ser un concierto espectacular y se organizó para los días 6 y 7 de marzo en Obras Sanitarias, la Catedral del Rock.
En esa oportunidad, el grupo «...sonó como nunca y la labor de los músicos en el escenario no escatimó fervor, a pesar de estar grabando en vivo.
Charly, David, Pedro y Oscar ofrecieron un espectáculo sólido, vibrante y emotivo, y en el cual se evidenció un soplo más rockero en el estilo del grupo.
Pedro Aznar fue despedido con una ovación porque, a pesar de que sus gustos musicales distaban de los del resto del grupo y del público en general, le dio a Serú (...) un sonido muy particular y distintivo». (Leyendas Nº7).
Temas
01. Perro andaluz.mp3
02. Noche de perros.mp3
03. Viernes 3 A.M..mp3
04. La grasa de las capitales.mp3
05. Voy a mil.mp3
06. Cancion de Hollywood.mp3
07. El mendigo en el andén.mp3
08. Autos, jets, aviones, barcos.mp3
09. Separata.mp3
10. Paranoia y soledad.mp3
11. Los sobrevivientes.mp3
12. Frecuencia modulada.mp3
13. Seminare.mp3
14. Eiti-leda.mp3
Link
RBerdi_SeruGiran-Viernes3_A.M.rar
Otras publicaciónes
Charly Garcia - En Vivo Puerto Madero Pub - Rosario - 1999
Charly Garcia & León Gieco & et al - Porsuigieco
Charly García - En Vivo - Teatro Colón - 2002
Celeste Carballo & Charly Garcia & Baila: Julio Bocca - El Dia Que Me Quieras - Video
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Charly Garcia y Serú Girán - Viernes 3 A.M.
Seru Giran
Charly García: teclados y voz
David Lebón: guitarra y voz
Oscar Moro: batería
Pedro Aznar: bajo
Las primeras sesiones de grabación comenzaron en los estudios El Dorado de San Pablo, y culminaron en ABC Recording Studios de Los Angeles, Estados Unidos.
"Serú Girán" (1978) contó con la colaboración de Daniel Goldberg, quien tenía a su cargo los arreglos musicales y la dirección de la orquesta de 24 músicos que participó en algunos temas como "Eiti-Leda" o "Serú Girán".
La complejidad armónica de este proyecto demuestra que, desde el comienzo, las ambiciones que tenían apuntaban mucho más alto que la del resto de los músicos nacionales de ese momento.
El resultado final del disco los entusiasmó mucho: sonaba como una fusión de jazz-rock con música brasilera.
Pedro recuerda: «...cuando apareció ese álbum, la prensa le dio una importancia infernal, se creó todo una caso... había un inmovilismo total».
La revista Pelo, una de las publicaciones especializadas de la época, decía: «"Serú Girán" es un álbum compacto, extremadamente pulido en su producción, a pesar de lo cual suena menos armado que La Máquina de Hacer Pájaros. (...) Serú Girán debuta con un buen álbum. Una música que trasluce los nuevos horizontes de García y sus nuevos compañeros de ruta.» (Pelo Nº104).
El primer show en vivo de Serú Girán tuvo lugar en el Riachuelo, a bordo de un barco anclado. Este recital - al cual sólo asistieron periodistas, músicos y amigos - tenía la finalidad de observar la respuesta de la crítica especializada. Esa noche el grupo se mostró sólido y contundente, lo que parecía, abriría las puertas del público masivo rápidamente.
El debut en vivo de la banda ante el público porteño ocurrió dos semanas después, el 28 de julio de 1978, en el estadio Luna Park, con orquesta (sección de cuerdas y vientos) y circuito cerrado de televisión. En al parte trasera del escenario, una pantalla gigante mostraba a los músicos dirigiéndose a escena. David, Pedro y Oscar salieron vestidos totalmente de blanco, mientras que Charly eligió una malla negra, saco y zapatillas.
El comienzo del recital, con la orquesta a pleno interpretando la poderosa introducción del tema "Serú Girán", presagiaba una noche inolvidable. No fue así. Cuando tocaron el tema "Disco Shock"- una sátira de la música disco, tan en boga en el momento - la gente presente creyó que era en serio y, tras un coro de silbidos, empezaron a pedirle a García el "Blues del Levante", el tema que había compuesto con motivo de la despedida de Sui Generis.
El público quedó desconcertado y el resto del recital transcurrió ante la indiferencia general. La gente no había entendido el mensaje, o Serú no había sabido expresarlo.
Las críticas de los medios contra la banda arreciaron. El diario La Opinión, por ejemplo, publicó que eran lo peor que había en la Argentina, y sostenía que tenían «voces homosexuales». Estas declaraciones eran la culminación de una "campaña de desprestigio" que había tenido lugar contra García, mientras el grupo estaba ensayando en Brasil. La vanguardia de esa campaña había sido el titular: «Charly García, ¿ídolo o qué?».
Para el segundo trabajo discográfico, "La Grasa de las Capitales" (1979), Serú eligió una propuesta mucho más directa. Eliminaron la orquesta, que no había sido totalmente aceptada por el público, y compusieron temas más simples y directos.
La crítica de la revista Pelo a este disco fue bastante positiva: «"La Grasa..." es un disco que va a tener admiradores y detractores igualmente incondicionales. Por un lado, estarán los que darán la bienvenida a un García que abandonó la complejidad y retorna a la temática de crítica social que tan bien desarrolló anteriormente. Y por el otro, habrá quienes condenen esta simplicidad como falta de progreso. Pese a todo, es uno de los trabajos más logrados del año.» (Pelo No 122).
Los rumores de separación quedaron desacreditados con la presentación del long-play, a lo largo de seis funciones en el Auditorio Buenos Aires, previa gira por las ciudades de Córdoba, San Luis y Mendoza. Tras la experiencia frustrante del comienzo, prefirieron no exponerse demasiado y escogieron un lugar pequeño.
El show comenzó en la oscuridad total, mientras se escuchaba el playback del coro de introducción al tema "La Grasa...". Acto seguido, se encendieron todas las luces y la banda irrumpió en el escenario. "Viernes 3 AM", "Perro andaluz" y "Los sobrevivientes" fueron los temas más festejados por el público. También hubo lugar para la nostalgia:
"Seminare" y "Eiti-Leda" obtuvieron el reconocimiento de la gente, durante los bises. A fuerza de recitales y tenacidad, Serú logró revertir las opiniones de la crítica y del público. Allí comenzó a gestarse el fenómeno masivo que aún hoy persiste.
El siguiente álbum de Serú Girán se llamaría "Bicicleta" (1980). Años más tarde se recordaría el tercer disco de Serú Girán como lo mejor de la agrupación, llegándoselo incluso a comparar con "Abbey Road", el transformador duodécimo LP de los Beatles. Sin embargo, en ese entonces, los medios «especializados» no le atribuyeron al material tanta importancia.
Por ejemplo, Pelo comentaba: «...el tercer álbum de Serú Girán probablemente recorrerá el camino del éxito que tuvieron los anteriores, pero es difícil que "Bicicleta" representa plenamente el poderío de esta banda. (...) Serú Girán llegó al máximo de sus posibilidades sobre un escenario, pero todavía le falta andar mucho camino en los estudios». (Pelo No 139).
El disco "Bicicleta" - nombre que en un principio Charly había propuesto para el grupo, pero fue rechazado por el resto - fue presentado en Obras, el 6 y 7 de junio de 1980. En el escenario se podían observar ruedas de bicicleta, conejos y flores, algo que llamó la atención del público y de la prensa, por ser el primer grupo que tenía algún tipo de preocupación por la puesta en escena.
El hecho se debió a que Serú Girán había delegado la responsabilidad escenográfica a Renata Schussheim, una vieja amiga de Charly. A partir de "Bicicleta", Serú Girán comenzó con sus grandes shows.
Un mes después, en agosto de 1980, se presentaron en el Monterrey Jazz Festival, en Río de Janeiro. Tradicionalmente, los representantes argentinos en este festival estaban más vinculados al jazz o al tango que al rock progresivo que proponía Serú. Ese año el concierto se dividió en dos partes. En la primera, se presentaban Serú, el guitarrista Pat Metheny y George Duke.
El éxito obtenido por los argentinos en esa función fue tal, que los organizadores les ofrecieron volver a tocar en la segunda - la principal - junto a John McLaughlin, Hermeto Pascoal, Edgberto Gismonti y Weather Report.
«Cuando tocaba McLaughlin, la gente patinaba y le tiraba avioncitos de papel. ¡Yo me quería morir! Si a McLaughlin le hacían eso, a nosotros nos achuraban», recuerda García. Sin embargo, esta predicción resultó completamente errónea. La principal razón de la respuesta favorable del público residió en la variedad de matices en los temas interpretados por ellos y, asimismo, algunos de éstos tenían una cadencia marcada que invitaba al baile.
Este festival marcó dos hechos muy importantes para la vida del grupo. Por un lado, se hicieron conocer y dejaron una muy buena impresión entre los cariocas, hecho destacado incluso por la prensa argentina (Clarín, 28/08/80).
Por el otro, allí fue donde Pat Metheny conoció a Pedro Aznar: el comienzo del fin.
Antes de terminar el año, otros dos hitos en la Historia del Rock Nacional tendrían como protagonistas al grupo. El primero, fueron los dos recitales (12 y 13 de setiembre) en los que tocaron junto a Spinetta Jade. Es un hecho histórico que dos grupos de semejante magnitud estuvieran simultáneamente en el escenario.
Cuando apareció Luis Alberto Spinetta y arrancó con el tema de Sui Generis "Cuando ya me empiece a quedar solo", la gente entendió que no se encontraba ante un recital común.
Luego, de la oscuridad, surgió Charly con el tema "Que ves el cielo".
Bajo un clima enfervorizado, Lebón interpretó "Música del alma" y luego entraron todos los demás: Aznar y Moro, por un lado, Spinetta, Pomo, Satragni y Rapoport y Del Barrio por el otro.
Juntos tocaron temas de la agrupación comandada por el Flaco, y la gente aplaudió a rabiar. El recital se cerró con los dos grupos sobre el escenario interpretando "El mendigo en el andén" y "Crisálida".
La actuación de Spinetta Jade fue muy aplaudida, pese a su difícil estilo. Fue notorio el esfuerzo de Spinetta por lograr mayor simpleza en su música, para que el público de Obras pudiera entender su mensaje. Serú Girán, en cambio, fue ovacionado desde el comienzo, dejando en evidencia el increíble «feeling» que tenía con la gente.
El otro hito importante tuvo lugar en la Rural. El 30 de diciembre, 60.000 personas, según cifras de la Policía Federal, se congregaron para escuchar a la banda número uno:
«... el picadero de la Rural estaba abarrotado. Una compacta cola (...) llegaba hasta la estación Pacífico.
Aunque la Policía no encontraba clave alguna en la letra de "Alicia en el País", repetida hasta el cansancio, igualmente retuvo a un puñado de muchachos. Los productores negociaron y finalmente ese 30 de diciembre no hubo detenidos» (Ramos / Lejbowicz, pág.23).
García comentaba: «...con este asunto de ir a los recitales y que te lleve la cana, la gente al final se da cuenta de que lo único que te pasa es que vas a dormir en una comisaría, pero que nadie puede para toda la onda». (Humor, año 1981).
En 1981 el presidente de facto Roberto Viola buscó acercarse a los músicos. Inteligentemente, utilizó la fuerte ascendencia de éstos sobre la juventud, para mostrar al país su «aflicción» por los problemas que sufrían los jóvenes.
Los rockeros no salían de su asombro. Spinetta recuerda una anécdota al respecto:
«Yo les batí un par de cosas y también les sugerí que construyeran el observatorio más grande del mundo... un delirio, pero qué les iba a decir?» (Berti, pág.60).
En el tema "Encuentro con el diablo", David Lebón ironizaba sobre esta reunión: «nunca pensé encontrarme con el jefe / en su oficina de tan buen humor / pidiéndome que diga lo que pienso / qué es los que pienso yo de esta situación.»
"Peperina" (1981), el cuarto disco de Serú Girán, que se había empezado a grabar en abril, fue lanzado para fines de ese año. La historia de Peperina es conocida: «Quiero contarles una buena historia / la de una chica que vivió la euforia / de ser parte del rock / tomando té de peperina».
El tema trata acerca de una señorita que escribía notas de rock en Córdoba. Siempre que Serú tocaba en esa ciudad, ella calificaba la presentación uno «un bochorno». De más está decir que, pese a sus defenestrantes críticas, los estadios se llenaban. Se dice que cuando escuchó «su» tema por primera vez, acotó que Serú Girán seguía sin gustarle, pero que García era "un buen sociólogo" (?).
Con respecto al disco, Charly sostiene que es un adelanto notable en cuanto a la calidad de grabación. Sin embargo, la revista Pelo no se mostró muy conforme con este trabajo: «Peperina no impresiona como un álbum compacto. En él hay canciones que nítidamente se diferencian de nivel, literaria y musicalmente. (...)
Tienen marcas familiares de toda la música de Serú: canciones melancólicas, melodías agradables sobresaltadas por algún riff ardiente y las mismas falencias de producción que el grupo arrastra desde su primer trabajo discográfico (...) El disco no decepcionará a los seguidores, pero no tiene la homogeneidad de "La Grasa..." y plantea el interrogante sobre el futuro (...)
Llegó el momento difícil: están en la cima y lo que hagan puede hacerlos afirmar o tambalearse». (Pelo Nº154).
Por el contrario, Gloria Guerrero, en el número 63 de Humor, comentaba: «El álbum, por lo poco que pude escuchar de él en un cassettito, la gasta, y tal cosa no me sorprende». En el número siguiente, completa: «...probablemente, "Peperina" no representa un 'enorme' paso al frente luego de su trabajo anterior. Parece, a fuerza de ser sinceros, algo así como un "álbum complementario" de "Bicicleta", aunque más suelto y espontáneo».
Los días 4, 5 y 6 de setiembre el disco fue presentado en el estadio Obras.
En honor al Sgt. Pepper's de Los Beatles, Serú Girán salió a escena con un show simple.
Esta sencillez permitió que la conjunción música-imagen se diera sin altibajos. En principio, cuando Charly y David compusieron los temas de este disco, García pensó que se trataba más de una película que de un long-play. Por eso se le ocurrió la idea de poner en el recital una pantalla gigante, proyectar videos grabados especialmente y que el grupo tocara en penumbras, acompañando a esas imágenes. Lo que impidió la concreción de esta idea fue el techo demasiado bajo del estadio: la pantalla taparía gran parte del escenario y ellos quedarían ocultos casi completamente. Finalmente, la idea fue descartada.
Para despedir el año, tocaron el 25, 26 y 27 de diciembre en el teatro Coliseo, en la Capital Federal. Para esos shows, Charly contrató a las Bay Biscuits, un grupo de teatro-rock integrado por Vivi Tellas, Mayco Castro Volpe, Lisa Wakoluk, Diana Nylon y Fabiana Cantilo (ésta última sería luego corista estable de la banda de Charly). El número iba intercalado en el concierto y fueron recibidas con chiflidos e insultos de todo tipo.
En enero del '81 Aznar es convocado por el guitarrista norteamericano Pat Metheny para incorporarse a su banda.
Acordaron encontrarse en Estados Unidos, ya que Pedro viajaría al año siguiente para estudiar en la Universidad de Berklee. Este hecho marcaría el final de la banda.
Las críticas de los discos anteriores coincidían en una cosa: a Serú, en estudios, le faltaba la fuerza y la energía que tenía en vivo. Fue necesario esperar hasta el final mismo de esta agrupación (al menos en ese momento la disolución era definitiva) para conseguir el registro de ese material.
«Cuando Pedro me comentó que se iba, me sentí muy mal - rememora Charly - porque habíamos logrado un grupo que sonaba muy bien (...) Habíamos conseguido mucha comunicación con la gente (...) Además, se nos estaban abriendo las puertas de Europa y sin él no lo vamos a poder aprovechar.
Por otro lado, Pedro es un músico que está muy por sobre el nivel de lo que es la Argentina ahora (1982) y era lindo tocar con un tipo así. Pero también me sentí muy bien porque Pedro tiene otras perspectivas de vida y otros gustos musicales. El quiere realizarse como persona, y me parece bárbaro». (Pelo Nº160).
Cuando Aznar le anunció al grupo que se iba, todos decidieron tomarse un tiempo para reflexionar. Fue así que Charly viajó a Brasil para trabajar en su primer disco solista; David se tomó unas vacaciones en Punta del Este y Oscar se quedó en Buenos Aires. Al mes siguiente (febrero de 1982), los cuatro músicos se reunieron para realizar una gira por la Costa Atlántica: San Bernardo, Villa Gessell, Necochea, Pinamar, Miramar, Santa Teresita y, obviamente, Mar del Plata fueron los sitios elegidos por la banda. El día final de la agrupación estaba cada vez más cerca.
Pero la historia del grupo merecía un broche de oro: era necesario un Adiós Serú Girán.
Debía ser un concierto espectacular y se organizó para los días 6 y 7 de marzo en Obras Sanitarias, la Catedral del Rock.
En esa oportunidad, el grupo «...sonó como nunca y la labor de los músicos en el escenario no escatimó fervor, a pesar de estar grabando en vivo.
Charly, David, Pedro y Oscar ofrecieron un espectáculo sólido, vibrante y emotivo, y en el cual se evidenció un soplo más rockero en el estilo del grupo.
Pedro Aznar fue despedido con una ovación porque, a pesar de que sus gustos musicales distaban de los del resto del grupo y del público en general, le dio a Serú (...) un sonido muy particular y distintivo». (Leyendas Nº7).
Temas
01. Perro andaluz.mp3
02. Noche de perros.mp3
03. Viernes 3 A.M..mp3
04. La grasa de las capitales.mp3
05. Voy a mil.mp3
06. Cancion de Hollywood.mp3
07. El mendigo en el andén.mp3
08. Autos, jets, aviones, barcos.mp3
09. Separata.mp3
10. Paranoia y soledad.mp3
11. Los sobrevivientes.mp3
12. Frecuencia modulada.mp3
13. Seminare.mp3
14. Eiti-leda.mp3
Link
RBerdi_SeruGiran-Viernes3_A.M.rar
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