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Angel D´Agostino & Angel Vargas
El CD trae una sorpresa.
El primer tema es instrumental
y se trata, nada menos, que
"Café Dominguez" .
Toda una belleza de tango.
RBerdi
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Temas
01. Café Dominguez.mp3
02. Mano Blanca.mp3
03. Bailarin De Contraseña.mp3
04. La Nueva Vecina.mp3
05. El Cornetin Del Tranvia.mp3
06. Quien tuviera 18 años.mp3
07. Destellos.mp3
08. Cascabelito.mp3
09. Una Pena.mp3
10. Llora vida mia.mp3
11. El Morocho y El Oriental.mp3
12. Traiga Otra Caña.mp3
Link
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Publicaciones anteriores
Angel D´Agostino & Angel Vargas - Tangos Colección Clarín - Volumen 18
Angel Vargas - El Ruiseñor de las Calles Porteñas (1947-1954)
Angel Vargas & Angel D´Agostino - De FM Tango Para Usted - Volumen 1
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Angel Vargas & Armando Lacava - Sus Temas - 1951-1954
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miércoles, 15 de agosto de 2007
Raúl Garello - Orquestas de Buenos Aires
.Raúl Garello
* "Yo pasé por varios estilos musicales, pero la que me quedó es la marca de Aníbal Troilo.
Los estilos son como el pulso de los músicos.
Este es un género profundo y tantos aspectos de los que se podría hablar toda la noche.
* Estuve doce años con `Pichuco' y fui arreglador de esa orquesta. Allí conocí todos los demás estilos, porque Troilo fue una especie de imán, de continente de todo lo que sucedió con el tango en la primera mitad del siglo XX.
Y fue una suerte de eje en el movimiento musical tanguístico y el promotor de las generaciones que vinieron en la segunda mitad. Entiéndase, Argentino Galván, Astor Piazzolla, Julián Plaza, y a mí también me tocó un pedacito de la `torta' de Aníbal.
* "Es famosa la goma de borrar de Troilo frente a sus arregladores. Tuve la sastisfacción de haber sido una de sus víctimas. El era quien daba la medida justa de lo oportuno y de lo que tenía que ir. Ni una nota más, ni una nota menos.
Troilo tuvo siempre en su música un gran sentido del equilibrio y la oportunidad.*
"En materia de acompañar cantores, tengo cien registros con arreglos y orquestaciones junto a Roberto Goyeneche y otros cien con Rubén Juárez. Y eso fue dándome la posibilidad de armar en cuanto a expresiones musicales una paleta como la del pintor y una disposición de experiencias también muy importantes.
* "El tango está en el ADN de todos los músicos argentinos.
Tarde o temprano, por una cosa o por otra, aunque estén haciendo otro género algo van a tener que ver.
La llegada de gente joven al tango, es algo que pasó en todas las épocas. Ocurre que le hemos colgado un `Sanbenito' que no es cierto.
En realidad, el tango es una labor de jóvenes.
Lo de la famosa década del 40, lo hicieron muchachos de veinte o veintidós años.
Los Alberto Marino, los Floreal Ruiz, todos esos, tenían 18 años. `Pichuco', a los 23 años tenía su orquesta.
* "Se habla ahora de fusión.
La verdadera música de fusión es el tango mismo.
Tiene sobre sus códigos musicales la carga de judíos, italianos, españoles, franceses, sirios, propio de la inmigración que recibió el Río de la Plata.
* "El tango, al igual que los vinos, necesita añejarse un poco.
De pronto, los intérpretes descubren temas cuando ya tienen cuarenta años.
Por ejemplo, Como dos extraños , lo descubrieron hace siete u ocho años y lo grabaron todos.
En buena hora, pero es un tema que tiene más de medio siglo".
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Raúl Garello - Orquestas de Buenos Aires
Temas
01. Este Bandoneón.mp3
02. Sentimiento Gaucho.mp3
03. Pequeña Martina.mp3
04. Yira,Yira.mp3
05. Che Pichin.mp3
06. La Maleva.mp3
07. Muñeca de Marzo.mp3
08. Alma en Pena.mp3
09. Verdenuevo.mp3
10. Negracha.mp3
11. Tiempo Imaginado.mp3
12. Ojos Negros.mp3
13. Che Buenos Aires.mp3
14. El Amanecer.mp3
15. A Media Luz.mp3
16. Arrabal Amargo.mp3
Link
RBerdi_R.Garello-OrquestasDeBuenosAires.rar
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Orquesta del Tango de la Ciudad de Buenos Aires - 1990
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Orquesta del Tango de la Ciudad de Buenos Aires - En el Colón - En Vivo
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Mariano Mores - Grandes Exitos - En Vivo - Teatro Opera - Buenos Aires
.Mariano Mores
Mariano Mores
Premio Konex 2005:Mención Especial
Premio Konex 1995: Mención Especial
Premio Konex de Platino 1985: Compositor de Tango
Biografía abreviada
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Nació en Buenos Aires.
Es una institución en el mundo del tango y se le considera uno de los grandes compositores de Ibero América.
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Su historia artística comenzó siendo niño y estudió piano en Argentina y en España.
Integró la Orquesta Típica de Francisco Canaro, como pianista.
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Se ha destacado no sólo en el campo infinito del tango, sino también como arreglador, director de orquesta y “showman”.
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Algunas de sus creaciones son “Cuartito Azul”, “Grisel”, “Cristal”, “Adiós Pampa Mía”, “Cafetín de Buenos Aires”, “Uno”, “Taquito Militar”, “Frente al Mar”, “Tanguera”.
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También incursionó en la comedia musical y pasó por el teatro, el cine y la televisión.
Dirigió numerosas orquestas y realizó giras por todo el mundo. Sus tangos son interpretados por destacados músicos y cantantes.
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Entre los premios que recibió se encuentran “Santa Clara de Asís”, “San Gabriel”, “Filiberto De Oro”, “La Orden de Caballeros de San Martín de Tours”, (“Aguila de Buenos Aires”).
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Fue declarado Ciudadano Ilustre de la Ciudad de Buenos Aires.
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Biografía ampliada
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Pianista de un estilo muy espectacular, impuso en la dirección orquestal una concepción propia que lo llevó a internacionalizar el tango. A vestirlo de smoking y a pasearlo por el mundo.
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Simultáneamente, su fecunda inspiración lo convirtió en uno de los compositores de mayor suceso de la música popular.
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Marianito a la edad de 9 años, estudiaba piano con la profesora Amelia Fagoada del Conservatorio D´Andrea en la Lanús Oeste.
En tres años hizo todo el profesorado de música.
Tocaba los clásicos con una facilidad sorprendente.
Fue tal la aplicación al estudio de armonía, contrapunto y composición, que la profesora no le quiso cobrar ni un peso.
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Cuando cumple 10 años obtiene una beca para estudiar en Salamanca, España, dónde comienza su carrera como niño prodigio ejecutando las obras de los grandes maestros.
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Sin embargo es en España donde Marianito toma contacto con el tango.
Fue una tarde paseando por la rambla, cuando con su padre escucharon salir de un negocio las melodías de "Melodía de Arrabal" por Carlos Gardel.
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Cuando a los 14 años pierde a su padre, se ve impulsado a tener que mantener a su madre y siete hermanos; desde ese momento, entonces, comienza a trabajar profesionalmente como pianista.
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Una vez viajaba en tranvía por la calle Corrientes, y al pasar por el café Vicente –que estaba enfrente del Germinal-, vio un cartel en el que solicitaban un pianista que tocara música internacional y supiera leer el pentagrama.
Fue así como muy decidido, bajó del tranvía, dio una prueba y el puesto fue suyo.
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Casi enseguida entró a estudiar en la Academia Padi que dirigía un gran poeta – Luis Rubinstein -, y al poco tiempo ya era profesor y componía."Cuartito Azul", fue su primer éxito;
el que le abrió las puertas de la orquesta de Francisco Canaro, la de más renombre en aquellos años finales de la década del ’30. En ella estuvo a prueba por un mes y se quedó diez años.
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Simultáneamente, desarrolló sus posibilidades de compositor convirtiendo cada una de sus creaciones en un suceso con los mayores poetas de la época.
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Cuando hizo la música de "Cuartito Azul", tenía 16 años. Enseguida, Mario Battistella escribió la letra.
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De la unión con José María Contursi surgieron obras como "En esta tarde gris", "Grisel", "Cada vez que me recuerdes", "Cristal" y "Tu piel de jazmín".
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Con Enrique Santos Discépolo, hizo "Uno", "Cafetín de Buenos Aires" y "Sin palabras".
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Con Enrique Cadícamo compartió el éxito de "A quien le puede importar" y "Copas, amigos y besos".
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Homero Manzi estaba muriéndose cuando un día Mariano Mores lo fue a visitar. En esa oportunidad Manzi le dijo: "Me voy a ir y no escribí nada con vos...". Entonces, Mores le respondió: "Tengo una música, una especie de tango malambo..." y la empezó a tararear.
Manzi lo escuchaba y, desde la cama le fue dictando los versos: "La vos /triste y sentida/de tu canción...". Así nació "Una lágrima tuya".
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Con el ingreso a la orquesta de Francisco Canaro, nació su prestigio de intérprete. Tenía una forma espectacular y rápidamente llamó la atención.
Su popularidad lo convirtió en un astro del cine, en un galán, actividad que lo obligó a dejar de tocar con Canaro para dedicarse durante varios años a la filmación de películas donde, obviamente, también aportaba su música.
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Más tarde, formó su propia orquesta. Su particularidad fue la de no limitarse nunca a las formaciones clásicas de bandoneón, violín y piano, que ya en 1911 le habían dado la calificación de "Típicas" a las orquestas de tango.
Mores formó conjuntos numerosos y les agregó timbres distintos a los habituales. Y así, la suya pasó a ser "la gran orquesta" o "la orquesta lírica".
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El Maestro explicaba que eso era así porque siempre pensó –y lo sigue haciendo- que no hay que darle un carácter localista al tango. Para él, la música vuela mucho más allá del barrio, por eso se preocupó por internacionalizar el género. Y lo hizo recorriendo el mundo en más de una oportunidad.
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Cuando después de diez años de compartir éxitos le anunció a Canaro su retiro de la orquesta, el maestro le dijo una frase que Mores nunca olvidó:
"Vos ya tenés pantalones largos y podés andar solo".
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Este fue el pasaporte que le abrió las fronteras para pasear la música argentina por el mundo, sentado al piano, con la batuta en la mano y con la mente en permanente ebullición.
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Mariano Mores - Grandes Exitos - En Vivo - Teatro Opera
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Temas
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01. Viejo Buenos Aires.mp3
02. Selección Mores.mp3
03. La Tablada.mp3
04. Adios.mp3
05. Tierra Querida.mp3
06. Uno.mp3
07. Vals de la Evocación.mp3
08. El Estrellero.mp3
09. Canaro en París.mp3
10. Silencio.mp3
11. Mi Buenos Aires Querido.mp3
12. Taquito Militar.mp3
13. Dos.mp3
14. Cristal.mp3
15. La Cumparsita.mp3
16. Asi es mi Argentina.mp3
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Link
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Otra publicación
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Sigue en nuestra Web: www.tangorberdi.com.ar
Mariano Mores - Tangos de Colección - Recopilación Diario Clarín
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Horacio Deval - Temas - Sus Tangos
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Horacio Deval
Por Abel Palermo
Cantor
(4 de julio de 1923 - 18 de enero de 2004)Nombre completo: Adolfo Tudisco
Era dueño de una musicalidad envidiable, en la que se advierte una tremenda sensibilidad gardeliana, casi natural, no buscada ex profeso.
Con un timbre, un fraseo y una coloratura especial que hacía que algún sector del público opinara que quería parecerse al "Zorzal".
Yo no opino de ese modo. La calidad de su registro de barítono y su exquisita media voz, era mucho más que una simple imitación, en todo caso puedo reconocer que hizo una recreación exagerada del espíritu y expresividad de Gardel, pero no una copia.
Tanto es así, que cuando se aparta del repertorio gardeliano, sin abandonar el estilo suyo de siempre, uno redescubre a una de las voces más importantes de su época.
Nació en el barrio de Boedo.
De los hermanos varones dos serían cantantes, él y su hermano Aquiles, quien se inició como cantor de tangos con la orquesta de Roberto Dimas, pero donde realmente se destacó fue en la gran orquesta de jazz "Santa Anita - Ritmo en el alma", con el nombre artístico de Alberto Deval.
El 24 de junio de 1935, la muerte de Carlos Gardel produciría un impacto tremendo en Adolfo, a pesar de sus 12 años de edad.
Recuerdan sus hermanos mayores que al ver sus fotos y al escuchar su voz repetía: «a este hombre hay que cantarle y sentir como si su voz estuviera escondida en nuestra garganta».
Poco a poco fue desarrollando su vocación, su voz estaba presente en cualquier reunión social que se desarrollaba en el barrio. Allí vivían dos hermanos de apellido Cirulli, que actuaban en los bares de la zona, donde animaban a los concurrentes junto a las llamadas vitroleras, Adolfo logra que lo escuchen los Cirulli y en forma inmediata pasa a formar parte del grupo, hasta que otro vecino, el destacado pianista Enrique Mora lo incorpora a su cuarteto.
Llega el año 1941 y es requerido por el director del conjunto "Los andinos", don Silvio Spalleta y lo hace debutar en la emisora Radio Del Pueblo, muy escuchada por el publico tanguero.
Luego pasa por la orquesta de Carlos del Río, y en 1944 lo convoca el prestigioso bandoneonista Jorge Argentino Fernández.
En ese año se inscribe en un concurso de Radio Splendid, con el nombre de Horacio Dreview, resultando el ganador del mismo y obteniendo como premio tres meses de contrato con la emisora.
Comienza a usar su actual nombre artístico con el binomio Sucher-Landi, hasta que es llamado por Miguel Caló para reemplazar al exitoso cantor Raúl Iriarte, lamentablemente no pudo llegar al disco con la "orquesta de las estrellas".
Graba por primera vez en 1949 con el maestro Joaquín Do Reyes, los tangos "Ventanita de arrabal" y "Lloró como una mujer", además de un notable éxito en Radio El Mundo y en el cabaret de la avenida Corrientes al 700, "El Empire".
Su nombre artístico fue inspirado en el de su hermano Aquiles que, como ya dijimos, cantaba bajo el seudónimo de Alberto Deval.
Comienza a crecer su fama y, a fines de 1950, es requerido por el maestro Horacio Salgán para compartir el rubro de cantor con Ángel "El Paya" Díaz.
A principios de 1951 graba con la orquesta de Salgán tres temas que a través del tiempo perdurarán como obras de antología: los tangos "Pobre colombina", "Sueño querido" y "Yo te bendigo".
Antes de finalizar el año es contratado por el recién inaugurado Canal 7 de Televisión de Buenos Aires.
En 1952 la compañía discográfica T.K. decide contar con él entre las figuras de la empresa -en este sello grababa el gran Aníbal Troilo-, Deval acepta la propuesta pero exigiendo el acompañamiento del brillante músico y arreglador Argentino Galván.
Allí graba su primer 78 rpm como solista: "Arrabal amargo" y "Esta noche estoy de tangos", este último una verdadera joya del género.
En 1953 recorre toda la Argentina y Uruguay, donde logra un gran suceso en Radio Nacional de Montevideo, acompañado por el conjunto de Isidro Pellejero.
De regreso a Buenos Aires es contratado por Radio El Mundo para actuar en horarios centrales, donde cada actuación era presenciada por mucho público, que llenaba su auditorio. Además, en sus actuaciones participaba una de las locutoras más importantes que ha dado la radio en la Argentina, la señora María Esther Vignola, con quien tuvo una relación.
Terminada la misma, se casó con María Teresa Canale, con quien tuvo dos hijos: Horacio y Teresa.
Sus éxitos fueron en forma progresiva, tuvo una breve temporada con la orquesta de Mariano Mores, grabaciones en el sello Music Hall, pero lamentablemente para el público argentino, Horacio era requerido continuamente en todos los países americanos, especialmente en los Estados Unidos, donde viajó, en 1972, para actuar en el famoso Waldorf Astoria de Nueva York, y decide radicarse allí.
http://www.todotango.com/spanish/creadores/hdeval.asp
Temas
Horacio Deval - A media luz.mp3
Horacio Deval - Cafetín de Buenos Aires.mp3
Horacio Deval - Criollita deci que si.mp3
Horacio Deval - Los ojos de mi Moza.mp3
Horacio Deval - Mi Buenos Aires querido.mp3
Horacio Deval - No mi amor.mp3
Horacio Deval - Tomo y Obligo.mp3
Horacio Deval - Volvio una Noche.mp3
Horacio Deval - Zamba para el zorzal.mp3
Link
http://rapidshare.com/files/49087454/RBerdi_H.Deval-Temas.rar
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Quasimodo Trio - Su Música - Temas
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Quasimodo Trio
Temas
1 - A los que buscan.mp3
2 - El arte de rodar.mp3
3 - Mañana es hoy.mp3
Link
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Proximas actuciones y biografía ver en:
Quasimodo Trio - Presentación: En Concierto
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Quasimodo Trio
Temas
1 - A los que buscan.mp3
2 - El arte de rodar.mp3
3 - Mañana es hoy.mp3
Link
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Proximas actuciones y biografía ver en:
Quasimodo Trio - Presentación: En Concierto
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Astor Piazzolla - Una revisión de su discografía
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Astor Piazzolla
Diego Fischerman - Página 12
La relación del bandoneonista con la industria discográfica fue caótica en vida y no dejó de serlo después.
Algunas reediciones notables, sin embargo, han puesto algo de orden y permiten recorrer casi todos los estilos y formaciones de su carrera.
A quince años de su muerte, la discografía de Astor Piazzolla es un poco menos caótica de lo que fue en vida del bandoneonista.
Sigue habiendo hijos buenos y bastardos; continúa la confusión entre CD con el mismo título y contenidos diferentes, entre álbumes con nombre distinto y contenido exactamente igual y, por supuesto, algunos agujeros de importancia que, en algunos casos, son tapados por ediciones piratas y, en otros, por nada.
Pero, en el otro extremo, algunas reediciones largamente postergadas, como la de su fundamental Concierto de tango en el Philharmonic Hall de Nueva New York y sus volúmenes de Historia del tango, publicados en su momento por Polydor y actualmente por Universal, o de su obra completa para CBS Columbia y para RCA Victor, editada por Sony BMG, han mejorado significativamente el panorama general.
En la actualidad, todos los períodos de la producción de Piazzolla y la mayoría de las formaciones con las que trabajó están presentes en la discografía aunque, en algunos casos, de las maneras más extrañas.
Su Tango en Hi-Fi, por ejemplo, donde estaba el impactante “Tres minutos con la realidad”, es un disco que inaugura la actividad de Piazzolla como líder de grupo (un poco a la manera del jazz) en lugar de director de orquesta típica.
Allí, como en las grabaciones realizadas en 1955 en París, el bandoneón está en papel concertante, frente a una orquesta de cuerdas y un piano. Ese disco incluía cuatro temas del propio Piazzolla – además de “Tres minutos...”, “Melancólico Buenos Aires”, “Tango del ángel” y “Prepárense”– junto a “Loca Bohemia”, “Siempre París”, “La Cumparsita”, “Fuimos” (cantado por Jorge Sobral), “Del bajo fondo” e “Inspiración”.
Pero esa edición fundante hoy no existe. Es decir, no existe con ese título ni con ninguno que se le parezca –el original había sido publicado por Music Hall, un sello cuyo catálogo hoy está en litigio–-.
En cambio, un sospechoso disco de un sello inexistente, bautizado Inspiración, contiene exactamente la misma lista de temas.
La solución es fácil: se trata de un disco pirata. Pero no hay que dejarlo pasar. A falta de una edición mejor, allí está ese disco tal cual Piazzolla lo grabó en 1957 –salvo la tapa y el título, claro–, con Elvino Vardaro como primer violín, José Bragato en el cello solista y Jaime Gosis deslumbrante en el piano.
Tanto las grabaciones con la orquesta de 1946 a 1948 como su emblemático Tango moderno, del octeto que mantuvo entre 1955 y 1958, se consiguen en buenas ediciones realizadas por Página/12, igual que el posterior El tango, con textos de Jorge Luis Borges y la voz de Edmundo Rivero.
Y el doble CD publicado por el sello Lantower, en la serie Maestros del tango, incluye además de grabaciones con la orquesta del ’46, temas por la orquesta de cuerdas de 1950 y las grabaciones parisinas de 1955 (donde aparece la primera versión de “Nonino”).
Como complemento, para escuchar hasta dónde llegó la importancia de Piazzolla dentro del tango, se recomienda escuchar las versiones de Troilo de “Prepárense” y “Triunfal”, el extraordinario arreglo de Piazzolla de “Responso” (incluido dentro del Archivo TK, publicado por Eurorecords) y las grabaciones de la orquesta de Francini y Pontier en los ’50, con una versión fantástica de “Contratiempo”.
Del segundo Piazzolla, el que a partir de su viaje a Francia en 1954, a los 33 años y siendo ya un compositor y orquestador consolidado dentro del tango, decidió comenzar de nuevo, tal vez el capítulo más importante haya sido el del quinteto que creó en 1960 y que, con alguna intermitencia y algunos cambios de integrantes, se mantuvo hasta 1970.
Los primeros registros fueron realizados en enero de 1961 y formaron parte del disco
Piazzolla interpreta a Piazzolla.
Allí, con una formación que incluye a Szymsia Bajour en violín, Jaime Gosis en piano, Horacio Malvicino en guitarra eléctrica y Kicho Díaz en contrabajo, aparecen muchos de los rasgos que serían característicos de mucha de la producción de Piazzolla en el futuro.
“Calambre”, por ejemplo, introduce por primera vez, como procedimiento, el fugato –que se haría célebre en “Fuga y misterio”–. Y junto al puglieseano “Nonino” aparece, por primera vez, “Adiós Nonino”.
Lo interesante es que en esa versión primigenia es notable un cierto concepto narrativo. A ese tema “ayumbado”, el de Nonino, se le opone el otro, lírico, que representa a la muerte –literalmente, el “adiós”–.
Pero el tema se estructura como una especie de duelo entre ambos temas, donde el de Nonino persiste como gesto en el acompañamiento del otro, en la primera vez, y se va debilitando en cada repetición hasta que, en la última recapitulación, ya muy ralentada, desaparece por completo.
Del fecundo período siguiente resultan imprescindibles Nuestro Tiempo y Tango para una ciudad, ambos de 1962 y ya con Antonio Agri en el violín (los otros cambios son Osvaldo Manzi en el piano y Oscar López Ruiz en la guitarra eléctrica).
Ambos discos muestran la cara más modernista de Piazzolla y, tal vez, la más cercana al gesto del jazz, con sus acentuaciones permanentemente en el aire y ese sonido del violín tan cercano, por momentos, al de Stéphane Grappeli.
El Concierto de tango en el Philharmonic Hall de New York, que ni fue un concierto ni se grabó en Nueva York –el estudio se montó en el Auditorio del Colegio Pestalozzi, en Belgrano R–, es una verdadera culminación.
Nuevamente con Gosis en el piano, allí está la fantástica serie del diablo y, por primera vez, uno de los temas más geniales del bandoneonista, “Milonga del ángel”.
Los años siguientes fueron, para Piazzolla, de dudas e indefiniciones marcadas, también, por la separación de quien había sido su esposa, Dedé Wolff.
Después de grabar sus relecturas de tangos clásicos, del proyecto junto a Borges y de algunos pocos temas nuevos –“Retrato de Alfredo Gobbi” y “Verano porteño” entre ellos– llegó la aventura de María de Buenos Aires y de las canciones junto a Horacio Ferrer.
Pero, entretanto, hubo un fenomenal canto del cisne. Su disco Adiós Nonino, editado por Trova en 1969, y los dos álbumes del año siguiente: En vivo en el Teatro Regina y Concierto para quinteto.
En 1972 y 1973 llegarían los dos volúmenes de Música popular Contemporánea de la Ciudad de Buenos Aires, con el excelente Conjunto 9.
A partir de 1974 Piazzolla comenzó a grabar en Italia y con sesionistas, formando fugazmente un octeto con músicos argentinos –que tuvo, en realidad, dos formaciones– que le permitiera realizar esos arreglos en vivo.
De ese período, que paradójicamente fue el primero que lo convirtió en verdaderamente exitoso –por lo menos en Europa– no queda demasiado por rescatarse, salvo, desde ya, la maravillosa Suite troileana que grabó en 1975.
Cuatro años después, Piazzolla retomó la formación del quinteto, esta vez con Fernando Suárez Paz en violín, Pablo Ziegler en piano, Héctor Console en contrabajo y Oscar López Ruiz –luego reemplazado por Malvicino– en la guitarra eléctrica.
Entre los discos de estudio, Tango: Zero Hour, grabado en Estados Unidos en 1986, es uno de los más contundentes, con una magnífica versión de la “Milonga del ángel” y una arrolladora interpretación de “Tanguedia”, el mismo tema que, con el nombre de “Los lagartos”, había dedicado a Alfredo Astiz en sus conciertos en el Regina de mayo de 1982, en plena guerra de las Malvinas, y que luego se convirtió en banda de sonido del film El exilio de Gardel, de Pino Solanas.
La grabación del concierto de febrero de 1984, en el Teatro Roxy de Mar del Plata es, por otra parte, una de las mejores muestras posibles de cómo ese quinteto sonaba en vivo. El disco, un álbum doble editado por Milán Sur y distribuido por Warner, tiene un sonido de gran fidelidad y un sólo problema: se llama Libertango, igual que el disco italiano de 1974.
Por lo tanto, se recomienda leer la lista de temas; en éste, el primer tema del CD 1 es “Verano porteño” y el último del CD 2 es una inolvidable versión de “Chin Chin”, con un gran solo de Ziegler.
Del sexteto que Piazzolla formó en 1989 –con Gerardo Gandini como pianista, Daniel Binelli como segundo bandoneonista y José Bragato en el cello–, el registro en vivo en la BBC, incluido en Luna (EMI), es superlativo.
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Astor Piazzolla
Diego Fischerman - Página 12
La relación del bandoneonista con la industria discográfica fue caótica en vida y no dejó de serlo después.
Algunas reediciones notables, sin embargo, han puesto algo de orden y permiten recorrer casi todos los estilos y formaciones de su carrera.
A quince años de su muerte, la discografía de Astor Piazzolla es un poco menos caótica de lo que fue en vida del bandoneonista.
Sigue habiendo hijos buenos y bastardos; continúa la confusión entre CD con el mismo título y contenidos diferentes, entre álbumes con nombre distinto y contenido exactamente igual y, por supuesto, algunos agujeros de importancia que, en algunos casos, son tapados por ediciones piratas y, en otros, por nada.
Pero, en el otro extremo, algunas reediciones largamente postergadas, como la de su fundamental Concierto de tango en el Philharmonic Hall de Nueva New York y sus volúmenes de Historia del tango, publicados en su momento por Polydor y actualmente por Universal, o de su obra completa para CBS Columbia y para RCA Victor, editada por Sony BMG, han mejorado significativamente el panorama general.
En la actualidad, todos los períodos de la producción de Piazzolla y la mayoría de las formaciones con las que trabajó están presentes en la discografía aunque, en algunos casos, de las maneras más extrañas.
Su Tango en Hi-Fi, por ejemplo, donde estaba el impactante “Tres minutos con la realidad”, es un disco que inaugura la actividad de Piazzolla como líder de grupo (un poco a la manera del jazz) en lugar de director de orquesta típica.
Allí, como en las grabaciones realizadas en 1955 en París, el bandoneón está en papel concertante, frente a una orquesta de cuerdas y un piano. Ese disco incluía cuatro temas del propio Piazzolla – además de “Tres minutos...”, “Melancólico Buenos Aires”, “Tango del ángel” y “Prepárense”– junto a “Loca Bohemia”, “Siempre París”, “La Cumparsita”, “Fuimos” (cantado por Jorge Sobral), “Del bajo fondo” e “Inspiración”.
Pero esa edición fundante hoy no existe. Es decir, no existe con ese título ni con ninguno que se le parezca –el original había sido publicado por Music Hall, un sello cuyo catálogo hoy está en litigio–-.
En cambio, un sospechoso disco de un sello inexistente, bautizado Inspiración, contiene exactamente la misma lista de temas.
La solución es fácil: se trata de un disco pirata. Pero no hay que dejarlo pasar. A falta de una edición mejor, allí está ese disco tal cual Piazzolla lo grabó en 1957 –salvo la tapa y el título, claro–, con Elvino Vardaro como primer violín, José Bragato en el cello solista y Jaime Gosis deslumbrante en el piano.
Tanto las grabaciones con la orquesta de 1946 a 1948 como su emblemático Tango moderno, del octeto que mantuvo entre 1955 y 1958, se consiguen en buenas ediciones realizadas por Página/12, igual que el posterior El tango, con textos de Jorge Luis Borges y la voz de Edmundo Rivero.
Y el doble CD publicado por el sello Lantower, en la serie Maestros del tango, incluye además de grabaciones con la orquesta del ’46, temas por la orquesta de cuerdas de 1950 y las grabaciones parisinas de 1955 (donde aparece la primera versión de “Nonino”).
Como complemento, para escuchar hasta dónde llegó la importancia de Piazzolla dentro del tango, se recomienda escuchar las versiones de Troilo de “Prepárense” y “Triunfal”, el extraordinario arreglo de Piazzolla de “Responso” (incluido dentro del Archivo TK, publicado por Eurorecords) y las grabaciones de la orquesta de Francini y Pontier en los ’50, con una versión fantástica de “Contratiempo”.
Del segundo Piazzolla, el que a partir de su viaje a Francia en 1954, a los 33 años y siendo ya un compositor y orquestador consolidado dentro del tango, decidió comenzar de nuevo, tal vez el capítulo más importante haya sido el del quinteto que creó en 1960 y que, con alguna intermitencia y algunos cambios de integrantes, se mantuvo hasta 1970.
Los primeros registros fueron realizados en enero de 1961 y formaron parte del disco
Piazzolla interpreta a Piazzolla.
Allí, con una formación que incluye a Szymsia Bajour en violín, Jaime Gosis en piano, Horacio Malvicino en guitarra eléctrica y Kicho Díaz en contrabajo, aparecen muchos de los rasgos que serían característicos de mucha de la producción de Piazzolla en el futuro.
“Calambre”, por ejemplo, introduce por primera vez, como procedimiento, el fugato –que se haría célebre en “Fuga y misterio”–. Y junto al puglieseano “Nonino” aparece, por primera vez, “Adiós Nonino”.
Lo interesante es que en esa versión primigenia es notable un cierto concepto narrativo. A ese tema “ayumbado”, el de Nonino, se le opone el otro, lírico, que representa a la muerte –literalmente, el “adiós”–.
Pero el tema se estructura como una especie de duelo entre ambos temas, donde el de Nonino persiste como gesto en el acompañamiento del otro, en la primera vez, y se va debilitando en cada repetición hasta que, en la última recapitulación, ya muy ralentada, desaparece por completo.
Del fecundo período siguiente resultan imprescindibles Nuestro Tiempo y Tango para una ciudad, ambos de 1962 y ya con Antonio Agri en el violín (los otros cambios son Osvaldo Manzi en el piano y Oscar López Ruiz en la guitarra eléctrica).
Ambos discos muestran la cara más modernista de Piazzolla y, tal vez, la más cercana al gesto del jazz, con sus acentuaciones permanentemente en el aire y ese sonido del violín tan cercano, por momentos, al de Stéphane Grappeli.
El Concierto de tango en el Philharmonic Hall de New York, que ni fue un concierto ni se grabó en Nueva York –el estudio se montó en el Auditorio del Colegio Pestalozzi, en Belgrano R–, es una verdadera culminación.
Nuevamente con Gosis en el piano, allí está la fantástica serie del diablo y, por primera vez, uno de los temas más geniales del bandoneonista, “Milonga del ángel”.
Los años siguientes fueron, para Piazzolla, de dudas e indefiniciones marcadas, también, por la separación de quien había sido su esposa, Dedé Wolff.
Después de grabar sus relecturas de tangos clásicos, del proyecto junto a Borges y de algunos pocos temas nuevos –“Retrato de Alfredo Gobbi” y “Verano porteño” entre ellos– llegó la aventura de María de Buenos Aires y de las canciones junto a Horacio Ferrer.
Pero, entretanto, hubo un fenomenal canto del cisne. Su disco Adiós Nonino, editado por Trova en 1969, y los dos álbumes del año siguiente: En vivo en el Teatro Regina y Concierto para quinteto.
En 1972 y 1973 llegarían los dos volúmenes de Música popular Contemporánea de la Ciudad de Buenos Aires, con el excelente Conjunto 9.
A partir de 1974 Piazzolla comenzó a grabar en Italia y con sesionistas, formando fugazmente un octeto con músicos argentinos –que tuvo, en realidad, dos formaciones– que le permitiera realizar esos arreglos en vivo.
De ese período, que paradójicamente fue el primero que lo convirtió en verdaderamente exitoso –por lo menos en Europa– no queda demasiado por rescatarse, salvo, desde ya, la maravillosa Suite troileana que grabó en 1975.
Cuatro años después, Piazzolla retomó la formación del quinteto, esta vez con Fernando Suárez Paz en violín, Pablo Ziegler en piano, Héctor Console en contrabajo y Oscar López Ruiz –luego reemplazado por Malvicino– en la guitarra eléctrica.
Entre los discos de estudio, Tango: Zero Hour, grabado en Estados Unidos en 1986, es uno de los más contundentes, con una magnífica versión de la “Milonga del ángel” y una arrolladora interpretación de “Tanguedia”, el mismo tema que, con el nombre de “Los lagartos”, había dedicado a Alfredo Astiz en sus conciertos en el Regina de mayo de 1982, en plena guerra de las Malvinas, y que luego se convirtió en banda de sonido del film El exilio de Gardel, de Pino Solanas.
La grabación del concierto de febrero de 1984, en el Teatro Roxy de Mar del Plata es, por otra parte, una de las mejores muestras posibles de cómo ese quinteto sonaba en vivo. El disco, un álbum doble editado por Milán Sur y distribuido por Warner, tiene un sonido de gran fidelidad y un sólo problema: se llama Libertango, igual que el disco italiano de 1974.
Por lo tanto, se recomienda leer la lista de temas; en éste, el primer tema del CD 1 es “Verano porteño” y el último del CD 2 es una inolvidable versión de “Chin Chin”, con un gran solo de Ziegler.
Del sexteto que Piazzolla formó en 1989 –con Gerardo Gandini como pianista, Daniel Binelli como segundo bandoneonista y José Bragato en el cello–, el registro en vivo en la BBC, incluido en Luna (EMI), es superlativo.
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